GAZZETTA DI UPPOLANDIA

Semplice mente

2011-03-08T15:45:00.002+01:00

Nato dalle ceneri di un gruppo di punk-rock del 1977 (Johnny and The Self Abusers, ballò una sola estate e pubblicò un solo singolo: Saints & Sinners/Dead Vandals ), il nucleo originario dei SIMPLE MINDS (nome tratto da un verso di una canzone di David Bowie, “The Jean Genie”) era formato da Jim Kerr (voce e tastiere), Charles Burchill (chitarra e violino), Tony Donald (basso), Brian McGee (batteria). Prima della prima esibizione ufficiale (Febbraio ’78) al gruppo si aggiunse un secondo chitarrista, Duncan Barnwell, ma solo per pochi mesi. Nel corso di quell’anno fu sostituito dal tastierista Michael McNeil e Derek Forbes (vero fuoriclasse della band) prese il posto di Donald.

Con questa formazione:

Jim Kerr: “solo” canto
Charles Burchill: chitarra
Michael McNeil: tastiere di ogni tipo
Derek Forbes: basso
Brian McGee: batteria

i SIMPLE MINDS incidono il loro primo album, Life in a Day (1979). Sarà un discreto successo, ma il lavoro lascia parecchio insoddisfatti i componenti del gruppo: troppi omaggi alle loro radici musicali (punk-rock, Roxy Music, Kraftwerk e altri) per un quintetto in rapida evoluzione. Sei mesi dopo esce Real to Real Cacophony (1979), che Jim Kerr e soci considerano come il loro primo vero disco. Come spesso succede, alla soddisfazione dell’artista non corrisponde il favore di pubblico (e critica): l’ansia di smarcarsi dai modelli sopra citati porta i musicisti sulla strada di uno sperimentalismo esageratamente “oscuro”.

Nell’estate del 1980, dopo una stagione di concerti in tutta Europa, il gruppo si ritrova nei Rockfield Studios in Galles per registrare Empires and Dance (1980). Album notevolmente più maturo dei precedenti: il basso sempre più trascinante conduce la musica insieme alle tastiere, lasciando alla chitarra di arricchire il tutto con arpeggi sempre preziosi ed essenziali. A questo si aggiungono la precisione della batteria e la voce di Kerr, ora suadente, ora ammaliante. Anche in questo album sono evidenti i riferimenti a certo sperimentalismo tedesco (Neu! Faust, i già citati Kraftwerk), ma il tutto è filtrato da una ricerca del timbro personale, che da’ una congruenza e una peculiarità irrintracciabili nei primi lavori. Da menzionare anche l’enigmatica e inquietante copertina che si sposa bene con lo sperimentale ermetismo dei testi. Il disco ottiene un buon successo, ma la carente promozione effettuata dalla casa discografica (Arista) porta alla rottura contrattuale.

Ingaggiati dalla Virgin, nella primavera del 1981 il gruppo inizia le registrazioni del nuovo album sotto la produzione di Steve Hillage. Un primo singolo (“The American”) ottiene un successo insperato e con una grande quantità di materiale i SIMPLE MINDS pubblicano ad Agosto di quell’anno una doppia uscita: le prime copie di Sons and Fascination (1981) conterranno il mini LP Sister Feelings Call (1981). In seguito gli album saranno stampati e venduti singolarmente. Quasi scomparse le atmosfere dark e, su tappeti sonori lussureggianti, i ritmi si fanno sempre più trascinanti e ipnotici, la voce di Kerr più sicura, la batteria più potente e precisa e la chitarra ingioiella il tutto, mentre conduce il suo sottotesto musicale. Subito dopo l’uscita dei due dischi, il gruppo perde il batterista e dopo aver provato in concerto Kenny Hislop e Mike Ogletree ci si decide per Mel Gaynor che arriverà però a registrazioni iniziate.

Con un nuovo produttore, Peter Walsh, la band completa nell’estate del 1982 le registrazioni per quello che molti considerano il loro capolavoro. New Gold Dream (81-82-83-84) esce a Settembre di quell’anno dopo l’uscita di alcuni singoli di grande successo: “Promised You A Miracle” e “Glittering Prize”, entrambi presenti sul 33giri. Solo nove i brani, pochi rispetto ai quindici del precedente doppio lavoro, ma tutti dotati di grandissimo fascino emotivo. Grandi ritmi, più rock e niente più decadentismo, ma trame sonore rese affascinanti da tastiere e basso in primo piano, e, come una ciliegina sulla torta, la stupenda voce di Kerr e i preziosi ricami chitarristici di Burchill. Ancora una volta mi preme rilevare lo straordinario lavoro di Derek Forbes: un virtuoso dello strumento, alla pari del suo contemporaneo Mick Karn (Japan), ora purtroppo scomparso. In quel periodo i SIMPLE MINDS compiono un vero miracolo artistico, riuscendo a dare le stesse emozioni sia su disco che in concerto, per esperienza diretta. Il disco costituisce l’apice artistico della band e, da quel momento in poi, inizia la parabola discendente.

I dischi proposti sono stati rieditati e pregevolmente rimasterizzati su CD nel 2002-2003 dalla Virgin.

Empires and Dance

I Travel - 3:46
Today I Died Again - 4:39
Celebrate - 5:03
This Fear of Gods - 7:00
Capital City - 6:14
Constantinople Line - 4:44
Twist/Run/Repulsion - 4:38
Thirty Frames a Second - 5:14
Kant-Kino - 1:50 (strumentale)
Room - 2:30

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Sons and Fascination

In Trance as Mission - 6:50
Sweat in Bullet - 4:30
70 Cities as Love Brings the Fall - 4:48
Boys From Brazil - 5:30
Love Song - 5:03
This Earth That You Walk Upon - 5:26
Sons and Fascination - 5:23
Seeing out the Angels - 6:11

Sister Feelings Call

Theme for Great Cities - 5:50(strumentale)
The American - 3:49
20th Century Promised Land - 4:53
Wonderful in Young Life - 5:20
League of Nations - 4:55
Careful in Career - 5:08
Sound in 70 Cities - 5:01(strumentale)

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New Gold Dream (81-82-83-84)

Someone Somewhere in Summertime - 4:36
Colours Fly and Catherine Wheel - 3:49
Promised You a Miracle - 4:28
Big Sleep - 5:00
Somebody Up There Likes You - 5:02 (strumentale)
New Gold Dream (81-82-83-84) - 5:39
Glittering Prize - 4:33
Hunter and the Hunted - 5:55
King Is White and in the Crowd - 7:00

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Il vento del falco

2010-12-08T13:10:00.002+01:00

Isola di Wight. Sono i giorni del grande festival di musica rock del 1970. Fuori dei cancelli del festival "istituzionale", una band improvvisa un concerto, forse per protesta contro l'alto costo dei biglietti, forse solo perché non invitati al grande evento. Gli "HAWKWIND", questo il nome del gruppo, si fanno così conoscere dal grande pubblico per quello che sono e saranno sempre: alternativi, indipendenti, spontanei, underground, sempre ai margini.

Nati nel 1969 con il nome di Group X, poi diventato Hawkwind Zoo e infine il definitivo Hawkwind (dal nome di una saga fantascientifica di Michael Moorcock, che diventerà in seguito un loro occasionale collaboratore), erano Dave Brock e Mick Slattery alle chitarre, Nik Turner al flauto e sassofono, Dik Mik (Michael Davies) alle tastiere elettroniche, John Harrison al basso e Terry Ollis alla batteria. Difficile spiegare a parole la loro musica: partendo da radici blues folk e rock psichedelico approdano a quello che loro stessi chiameranno space-rock. Il risultato è una musica che può rientrare a pieno titolo nella galassia progressive, in un mini-sistema solare insieme a Gong, Magma e Sun Ra.

Scopo dichiarato della loro arte è quello di ricreare nell'ascoltatore gli effetti di un trip senza l'assunzione di sostanze allucinogene, ricorrendo solamente alla musica, coadiuvata da quegli elaborati light shows che diverranno parte integrante dei loro spettacoli. Prima di incidere il loro primo 33giri (Marzo 1970), suonano nelle comuni di Notting Hill Gate, nei raduni hippie, praticamente in tutti i free-concerts (dentro e fuori i cancelli...) dell'Inghilterra del 1970. Durante la registrazione di HAWKWIND (1970), Huw Lloyd-Langton prende il posto di Mick Slattery. Il disco si apre con "Hurry on Sundown", uno dei loro brani più famosi. Tra questo brano ed una dilatata versione di "Mirror of Illusion" posta in chiusura, si srotola un intricato e intrigante viluppo di suoni a metà tra psichedelia ed elettronica povera. Se l'impasto sonoro è palesemente influenzato dai Pink Floyd di Interstellar Overdrive e A Saucerful of Secrets, tra le probabili fonti di ispirazione aggiungerei gli esperimenti musicali di Terry Riley e John Cale.

Prima della pubblicazione del loro secondo album, IN SEARCH OF SPACE (1971), gli Hawkwind hanno al loro attivo una storica esibizione al Glastonbury Fayre Festival, in cui compare per la prima volta la danzatrice Miss Stacia, che diventerà parte integrante del loro stage-show. Nel frattempo, Dave Anderson degli Amon Duul II, sostituisce John Harrison al basso, Del Dettmar, già tecnico del suono, affianca e sostituisce saltuariamente Dik Mik alle tastiere e il chitarrista Huw Lloyd-Langton abbandona il gruppo. Suoni elettronici e testi fantascientifici sono ormai il marchio di fabbrica di questa band che in questo disco trovano una maturità e una consapevolezza dei propri mezzi straordinarie. Per alcuni è il capolavoro del gruppo. Da segnalare la lunghissima "You Shouldn't Do That" costruita su un'unica nota, uno dei brani storici dei loro concerti, "Masters Of The Universe" dalle atmosfere dark alla Black Sabbath e le due facciate di un singolo di grande successo - "7 by7" / "Silver Machine" - non incluse nella versione originale dell'album del 1971, ma recuperate in questa edizione su CD. Durante la realizzazione del lavoro, arrivano il cantante e poeta Robert Calvert che canta e compone alcuni brani, il bassista Ian Fraser Kilmister, detto Lemmy, che sostituirà Dave Anderson e Simon King alla batteria al posto di Terry Ollis.

Con questa formazione, l'anno dopo entrano in studio per la realizzazione di DOREMI FASOL LATIDO (1972). L'artista Barney Bubbles, già autore della copertina di IN SEARCH OF SPACE, crea lo stemma metallico che diventerà il logo ufficiale della band. Il suono stesso è divenuto più metallico in questo lavoro (non per niente Lemmy Kilmister qualche anno dopo fonderà i Motorhead), tanto che secondo alcuni diventerà una delle fonti del metal-rock. Da ricordare i brani lunghi "Brainstorm" e "Time We Left This World Today" e la delicata "Down Through The Night". Nella versione rimasterizzata su CD ci sono quattro brani in più, che comprendono anche "Urban Guerrilla", singolo di grande successo in Inghilterra.

Ultimo di questo omaggio ad una band (troppo) poco conosciuta, è il quarto album, il doppio dal vivo SPACE RITUAL (1973). Tratto principalmente da due concerti del Dicembre 1972 a Liverpool e Brixton, è una precisa testimonianza (sonora) dei loro stupefacenti live-show dell'epoca. La versione su doppio CD oltre a tre brani extra, restituisce un suono più pulito rispetto alle prime versioni originali su vinile.

HAWKWIND

   1. Hurry on Sundown – 4:50 – (Brock/Hawkwind)
   2. The Reason Is? – 3:30 – (Brock/Hawkwind)
   3. Be Yourself – 8:09 – (Brock/Hawkwind)
   4. Paranoia (part 1) – 1:04 – (Brock/Hawkwind)
   5. Paranoia (part 2) – 4:11 – (Brock/Hawkwind)
   6. Seeing It As You Really Are – 10:43 – (Brock/Hawkwind)
   7. Mirror of Illusion – 7:08 – (Brock/Hawkwind)

Bonus tracks aggiunte nel 1996:

   1. Bring It On Home – 3:18 – (Willie Dixon)
   2. Hurry on Sundown (Hawkwind Zoo demo) – 5:06 – (Brock/Hawkwind)
   3. Kiss of the Velvet Whip – 5:28 – (Brock/Hawkwind)
   4. Cymbaline – 4:04 – (Roger Waters)

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IN SEARCH OF SPACE

   1. You Shouldn't Do That – 15:42 – (Turner/Brock)
   2. You Know You're Only Dreaming – 6:38 – (Brock)
   3. Master of the Universe – 6:17 – (Turner/Brock)
   4. We Took the Wrong Step Years Ago – 4:50 – (Brock)
   5. Adjust Me – 5:45 – (Hawkwind)
   6. Children of the Sun – 3:21 – (Turner/Anderson)

Tracce aggiunte nel 1996:

   1. Seven By Seven – 5:24 – (Brock)
   2. Silver Machine – 4:40 (Live at the Roundhouse) – (Calvert/Brock)
   3. Born to Go (Live At the Roundhouse) – 5:04 – (Calvert/Brock)

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DOREMI FASOL LATIDO

   1. Brainstorm – 11:33 – (Nik Turner)
   2. Space Is Deep – 5:10 – (Dave Brock)
   3. One Change – 0:49 – (Del Dettmar)
   4. Lord of Light – 6:59 – (Brock)
   5. Down Through the Night – 3:04 – (Brock)
   6. Time We Left This World Today – 8:43 – (Brock)
   7. The Watcher – 4:00 – (Lemmy Kilmister)

Tracce aggiunte nel 1996:

   1. Urban Guerrilla – 3:41 – (Robert Calvert/Brock)
   2. Brainbox Pollution – 5:42 – (Brock)
   3. Lord of Light – 3:59 – (Brock)
   4. Ejection – 3:47 – (Calvert)

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SPACE RITUAL

Disc 1

   1. "Earth Calling" (Robert Calvert) – 1:46
   2. "Born To Go" (Calvert, Dave Brock) – 9:56
   3. "Down Through The Night" (Brock) – 6:16
   4. "The Awakening" (Calvert) – 1:32
   5. "Lord Of Light" (Brock) – 7:21
   6. "Black Corridor" (Michael Moorcock) – 1:51
   7. "Space Is Deep" (Brock) – 8:13
   8. "Electronic No. 1" (Dik Mik Davies, Del Dettmar) – 2:26
   9. "Orgone Accumulator" (Calvert,Brock) – 9:59
   10. "Upside Down" (Brock) – 2:43
   11. "10 Seconds Of Forever" (Calvert) – 2:05
   12. "Brainstorm" (Turner) – 9:20

Disc 2

   1. "7 By 7" (Brock) – 6:13
   2. "Sonic Attack" (Moorcock) – 2:54
   3. "Time We Left This World Today" (Brock) – 5:47
   4. "Master Of The Universe" (Nik Turner, Brock) – 7:37
   5. "'Welcome To The Future" (Calvert) – 2:03

Bonus tracks on 1996 Remasters CD

   1. "You Shouldn't Do That" (Turner, Brock) / "Seeing It As You Really Are" (Brock) – 6:55
   2. "Master Of The Universe" (Turner, Brock) – 7:26
   3. "Born To Go" (Calvert, Brock) – 13:04

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Enjoy.

The Beatles

2010-10-09T21:57:00.002+02:00

Oggi, 9 Ottobre 2010, John Lennon avrebbe compiuto settanta anni.

Per ricordarlo (a me, a voi, a tutti) non ho trovato di meglio che invitare all'ascolto di "Please Please Me", primo album dei Beatles.

Il 33giri uscì in Inghilterra il 22 Marzo del 1963, preceduto qualche mese prima da due 45giri: Love Me Do/P.S. I Love You, 5 Ottobre 1962 e Please Please Me/Ask Me Why, 11 Gennaio 1963.

In Italia per la prima uscita dei "Fab Four" si dovette aspettare fino a Novembre del 1963. Il 12 di quel mese uscirono due 45giri contemporaneamente: Please Please Me/Ask Me Why e She Loves You/I'll Get You e il 26 dello stesso mese, finalmente, il primo 33giri, chiamato semplicemente "The Beatles". La copertina, però, era diversa dall'originale e curiosamente quasi uguale a quella del secondo album del gruppo, uscito pochi giorni prima in Inghilterra. Forse per dare agli italiani l'idea o l'illusione di comprare un prodotto di straordinaria attualità di un gruppo che cominciava a essere famoso ben oltre i confini dell'Inghilterra (e dell'Europa).

L'album contiene ben 14 canzoni e già questo costituisce un caso particolare: nei vinili dell'epoca c'era posto per dieci-dodici canzoni. Altra particolarità è che, contrariamente alle usanze del tempo, il disco non era una raccolta di brani già pubblicati in singolo, ma conteneva dieci "inediti", oltre alle quattro canzoni già citate, uscite su due singoli.

Le canzoni sono brevi, secondo il costume di quegli anni, nessuna supera i tre minuti di durata, raramente arrivano ai due minuti e mezzo. Otto sono della coppia Lennon/McCartney, più alcuni classici del repertorio di altri cantanti e complessi in voga all'epoca (Arthur Alexander, Cookies, Shirelles, ecc...). L'ultimo brano è la canzone che faceva letteralmente impazzire le ragazzine ai loro concerti: "Twist And Shout", una sorta di manifesto della generazione dei "60".

Ad ascoltarlo oggi, superando il senso di tenerezza e di nostalgia che da a chi ha vissuto quegli anni formidabili, appare alquanto ingenuo strumentalmente, ma le voci, soprattutto quella di John, hanno già il marchio "THE BEATLES" scritto a caratteri cubitali.

Buon compleanno a John, ovunque egli sia e buon ascolto a voi.

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Punta di diamante

2010-05-18T23:14:00.002+02:00

Non ho mai amato particolarmente quello che va sotto la definizione di "glam-rock": Roxy Music, i T-Rex di Marc Bolan, Gary Glitter, i Kiss (mamma mia!) e via disco orrendo. Quando vidi per la prima volta "Diamond Head" in un negozio di Londra, conoscevo già Brian Eno, per alcuni suoi lavori, e questa fu la ragione principale che mi spinse a comprare il disco. Il resto lo fecero la bella copertina e l'elenco dei collaboratori, per questo primo lavoro solista del chitarrista dei Roxy Music.

Philip Targett-Adams, nacque a Londra nel 1951 da padre inglese e madre colombiana, ma passò i primi anni della sua vita in giro per il mondo, soprattutto Sud-America e Cuba. Proprio nell'isola "incontrò" per la prima volta lo strumento ed imparò ad usarlo. Il nome d'arte è un omaggio ad uno dei più famosi musicisti messicani, Armando Manzanero, che influenzò in modo particolare il suo modo di suonare. Dopo alcune esperienze nell'ambiente "canterburiano", entrò a far parte dei "Roxy Music" nel 1972. Alcuni album di grande successo commerciale, poi, senza lasciare il gruppo di Bryan Ferry, riprende i contatti con alcuni dei suoi vecchi amici (Bill MacCormick, Robert Wyatt e altri) e li coinvolge nel progetto insieme ad un altro transfuga dai Roxy Music, il già citato Brian Eno. Quello che sarà identificato in seguito da un numero ("801", dai versi di una canzone di Brian Eno - We are the 801, we are the central shaft - dove la pronuncia inglese di 801 suona "Eight Nought One", le cui iniziali formano E N O) prende, per ora, la forma del primo disco solo di Phil Manzanera. Registrato tra Dicembre 1974 e Gennaio 1975, l'album esce nel corso del '75. Impressionante, come dicevo, l'elenco dei musicisti coinvolti. Oltre a Brian Eno, Paul Thompson, Eddie Jobson e Andy Mackay dei Roxy Music, ci sono Robert Wyatt, Bill MacCormick (Matching Mole e Quiet Sun), John Wetton (Family e King Crimson), Ian MacDonald (King Crimson), per citare solo i più noti: il meglio della scena inglese del momento.

La prima facciata si apre con "Frontera", cantata in spagnolo da Robert Wyatt. Poi è la volta del brano strumentale che da il titolo all'album: la chitarra filtrata da Eno entra in circolo e capiamo la grandezza di Phil. Il tempo di una canzone cantata da Brian Eno ("Big Day") nello stile dei suoi primi album e c'è un altro brano strumentale ("The Flex") con il sax di Andy Mackay che ruba la scena alla chitarra di Phil. La facciata si chiude con "Same Time Next Week" in cui, al ritmo di un inconsueto tempo musicale, la caratteristica voce di John Wetton duetta con quella di Doreen Chanter, già corista di Joe Cocker. Apre la seconda facciata un'altra canzone di Brian Eno ("Miss Shapiro"). Il pezzo seguente è un omaggio alle prime esperienze di Phil in Inghilterra: per la registrazione di questo brano, "East Of Echo", si riformerà il gruppo Quiet Sun (Charles Hayward-batteria, Dave Jarrett-tastiere, Phil Manzanera-chitarra, Bill MacCormick-basso), che inciderà di lì a poco il suo primo e ultimo LP (Mainstream). Nella penultima traccia ("Lagrima") Andy Mackay all'oboe accompagna i suoni di chitarre acustiche trattate e rivoltate da Eno. Il 33giri si chiudeva con "Alma", cantata da Bill MacCormick che termina con un assolo straziante del nostro Phil. La versione su CD del 1999 ha una bonus-track, "Carhumba", in stile Santana.

In definitiva una pietra miliare della musica degli anni '70, e non solo.

Track listing:

All songs by Phil Manzanera, except where noted.

   1. "Frontera" sung in Spanish by Robert Wyatt (Manzanera/MacCormick/Wyatt)
   2. "Diamond Head" (instrumental)
   3. "Big Day" sung by Brian Eno (Manzanera/Eno)
   4. "The Flex" (instrumental)
   5. "Same Time Next Week" sung by John Wetton and Doreen Chanter (Manzanera/Wetton)
   6. "Miss Shapiro" sung by Brian Eno (Manzanera/Eno)
   7. "East of Echo" (instrumental, performed by Manzanera's earlier group Quiet Sun)
   8. "Lagrima" (instrumental)
   9. "Alma" sung by Bill MacCormick (Manzanera/MacCormick)
10. "Carhumba" (instrumental)

Personnel:

    * Phil Manzanera — electric 6 and 12 string guitars, tiplé, acoustic guitar, synthesized guitar, bass, string synthesizer, organ, piano, vocals
    * Robert Wyatt — vocals, timbales, cabasa, background vocals
    * Brian Eno — vocals, treatments, rhythm guitar, piano, percussion
    * Eddie Jobson — strings, fender piano, electric clavinet, synthesizer
    * Dave Jarrett - keyboards
    * Andy Mackay — soprano and alto saxophone, oboe
    * Ian MacDonald — bagpipes
    * John Wetton — bass, vocals, mellotron
    * Bill MacCormick — bass, vocals
    * Brian Turrington — bass
    * Paul Thompson — drums
    * Danny Heibs - percussion
    * Chyke Madu - percussion
    * Sonny Akpan - congas, percussion, bongos, big gong, maracas
    * Charles Hayward - percussion
    * Doreen Chanter - vocals

Enjoy
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Una questione di equilibrio

2010-04-27T20:35:00.000+02:00

Quarto capitolo della mia personale escursione intorno ai Moody Blues. Con la medesima formazione dei precedenti tre album, il gruppo registra, nei primi mesi del 1970, "A Question Of Balance", che vedrà la luce nell'estate di quell'anno. Da un punto di vista formale si tratta di un disco perfettamente in linea con la loro produzione precedente, anche se i brani sono un po' meno (col)legati tra di loro. Racchiusa tra le due canzoni che insistono sul concetto dell'album ("Question" e "The Balance"), la musica si snoda senza particolari vette compositive, a parte i due brani già citati, ma tutta l'atmosfera (mellotron, flauti, chitarre acustiche, cori e controcanti) è gradevole e mai monotona. Il primo brano, "Question", vera colonna portante del 33giri, è una delle più note (e belle) canzoni di quel periodo storico. E ce n'erano di belle canzoni! Molto differente l'ultima, "The Balance", un recitativo con musica di sottofondo che si "apre" nel finale. Con l'aiuto di un programma di traduzione personalizzato (il R.A.O.U.L.) sono in grado di riportarvi il testo tradotto.

L'equilibrio [ma anche il bilancio (della vita)]

Dopo aver viaggiato,
E i suoi piedi erano doloranti,
Ed era stanco,
Arrivò fino ad un boschetto di aranci
E si riposò.
E si stese al fresco,
E mentre si riposava, prese un'arancia e la assaggiò,
Ed era buona.
E sentì la terra contro la sua schiena,
E domandò, e vide l'albero sopra di lui, e le stelle,
E le venature nelle foglie,
E la luce e l'equilibrio.
Ed egli vide una perfezione magnifica,
Sulla quale pensò a sé stesso in equilibrio [mentale],
E seppe di esserlo.
Apri solamente i tuoi occhi,
E capisci, che il modo è sempre esistito.
Apri solamente la tua mente
E troverai
Che il modo è sempre esistito.
Apri solamente il tuo cuore
Ed è un inizio.
E pensò a chi lo aveva fatto infuriare,
Malgrado lui non fosse un uomo violento,
E pensò a chi aveva ferito
Malgrado lui non fosse un uomo crudele,
E pensò a chi aveva spaventato
Malgrado lui non fosse un uomo cattivo,
E capì.
Capì sé stesso.
Oltre questo vide che quando era stato arrabbiato o aveva conosciuto il dolore o provato paura,
Era accaduto perché non era stato compreso,
Ed imparò, la compassione.
E con questo sguardo compassionevole
Vide che i suoi nemici erano come lui,
Ed imparò l'amore.
E gli fu risposto.
Apri solamente i tuoi occhi,
E capisci, che il modo è sempre esistito.
Apri solamente la tua mente
E troverai
Che il modo è sempre esistito.
Apri solamente il tuo cuore
Ed è un inizio.

Dopo il 1970, i Moody Blues si allontaneranno "progressivamente" (e paradossalmente...) dalla matrice "prog" e diventeranno troppo "romantici", magniloquenti, pomposi e un po' lagnosi. Ci hanno lasciato, però, queste quattro indimenticabili gemme.

Nel 2008 è uscita questa versione CD, rimasterizzata in digitale con 6 brani aggiuntivi.

Un'ultima notazione sulla suggestiva copertina, sempre di Phil Travers. Essa si sviluppava in verticale, invece che da sinistra a destra, rendendo un po' strana l'apertura della stessa per accedere al vinile. Il disegno pare abbia ispirato addirittura la celebre serie televisiva "Lost". O forse è il contrario...

Original Track Listing:

Side One
   1. "Question" (Justin Hayward)                        5:40
   2. "How Is It (We Are Here)" (Mike Pinder)   2:48
   3. "And the Tide Rushes In" (Ray Thomas)    2:57
   4. "Don't You Feel Small" (Graeme Edge)    2:40
   5. "Tortoise and the Hare" (John Lodge)        3:23

Side Two
   6. "It's Up to You" (Hayward)             3:11
   7. "Minstrel's Song" (Lodge)          4:27
   8. "Dawning is the Day" (Hayward) 4:22
   9. "Melancholy Man" (Pinder)            5:49
10. "The Balance" (Edge, Thomas) 3:33

Bonus tracks on the 2008 remastered edition:
11. "Mike's Number One (Previously Unreleased)" (Pinder) 3:36
12. "Question (Alternate Version)" (Hayward)               6:08
13. "Minstrel's Song (Original Mix)" (Lodge)               4:35
14. "It's Up to You (Original Mix)" (Hayward)           3:19
15. "Don't You Feel Small (Original Mix)" (Edge)                     3:02
16. "Dawning is the Day (Full Original Mix)" (Hayward)       4:36

Enjoy:
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Ai posteri

2010-02-11T17:57:00.002+01:00

Lo stesso anno (1969), ma DOPO la conquista della Luna da parte dell'uomo, i Moody Blues fanno uscire questo "To Our Children's Children's Children", registrato proprio nei giorni della missione denominata "Apollo 11". È il primo album della loro nuova etichetta "Threshold Records" (ma sempre di Decca si tratta...). Come per i precedenti, colpisce subito la copertina, che si estende sui due lati della confezione. In essa si vedono le mani di un anonimo artista (uno solo?) che dipingono quelle che sono considerate i primissimi esempi di arte figurativa nella storia dell'uomo: pitture rupestri. Ma mentre la mano sinistra (una mano curata, che tiene delicatamente un pennello) dipinge scene di caccia e di vita sociale di tribù preistoriche, la destra (grossolana e villosa) impugna rudemente un pezzo di legno con cui ha inciso figure di un'altra epoca: un aeroplano ed un uomo con il fucile! L'interno della copertina, con il gruppo che si ritrova attorno ad un fuoco in una grotta, ma con i loro abiti moderni, i loro strumenti, in un arredamento contemporaneo, prosegue con la suggestione di un passato che potrebbe essere il seguito di un altro futuro, in cui le conquiste umane sarebbero solo delle ri-conquiste, dopo che l'uomo è precipitato in un'altra preistoria e così via per chissà quante volte. Dal punto di vista musicale il disco è il più aderente alla concezione dell'opera "progressive" dei precedenti lavori. Tredici i brani, ma tra prime e seconde parti, temi che ritornano e il solito mixing tra un brano e il seguente, l'ascolto è paragonabile ad una lunga suite. Il gruppo è ai massimi della sua espressività e ricerca sonora e alcuni brani sfiorano il capolavoro: "Gypsy", ad esempio, o anche "Watching and Waiting".

Commercialmente non ripeté il successo del precedente disco, forse anche perché uscito a ridosso di autentici capolavori (nel giro di qualche decina di giorni uscivano "Ummagumma", "In the Court of the Crimson King", "Stand Up", "Led Zeppelin II", "Chicago II" e non si era ancora spenta l'eco di "Abbey Road", tanto per dire), ma come ho già avuto modo di dire, il livello tecnico-artistico dei cinque è al massimo e, per riportare un giudizio colto in rete: "It's dark and moody, and nice to listen to".

Nel 2006 viene ripubblicato come DELUXE Edition, in doppio CD. Sul primo c'è l'album originale ma rimasterizzato come SACD & 5.1 Surround Sound mix (5 + 1 altoparlanti attivi: una goduria!), sul secondo ben 11 brani tra versioni alternative e esibizioni dal vivo alla BBC.

Formazione:

    * Justin Hayward - chitarra, voce
    * John Lodge - basso, voce
    * Michael Pinder - tastiera, voce
    * Ray Thomas - flauto, voce
    * Graeme Edge - batteria

Original Track Listing:
Side One

   1. "Higher and Higher" (Graeme Edge) – 4:11
   2. "Eyes of a Child I" (John Lodge) – 3:34
   3. "Floating" (Ray Thomas) – 3:02
   4. "Eyes of a Child II" (Lodge) – 1:20
   5. "I Never Thought I'd Live to be a Hundred" (Justin Hayward) – 1:06
   6. "Beyond" (Edge) – 3:00
   7. "Out and In" (Mike Pinder) – 3:44

Side Two

   1. "Gypsy (Of a Strange and Distant Time)" (Hayward) – 3:35
   2. "Eternity Road" (Thomas) – 4:17
   3. "Candle of Life" (Lodge) – 4:19
   4. "Sun is Still Shining" (Pinder) – 3:35
   5. "I Never Thought I'd Live to be a Million (Hayward) – 0:34
   6. "Watching and Waiting" (Hayward, Thomas) – 4:17

Extra tracks on the Deluxe Edition are:

   1. "Gypsy" (Alternate Version) (Hayward) - 4:17
   2. "Candle of Life" (Alternate Version) (Lodge) - 4:59
   3. "Sun Is Still Shining" (Extended Version) (Pinder) - 4:07
   4. "Gypsy" (BBC radio concert 17 December 1969) (Hayward) - 3:21
   5. "Sunset" (BBC radio concert 17 December 1969) (Pinder) 3:54
   6. "Never Comes the Day" (BBC radio concert 17 December 1969) (Hayward) - 4:42
   7. "Are You Sitting Comfortably" (BBC radio concert 17 December 1969) (Hayward, Thomas) - 2:54
   8. "The Dream" (BBC radio concert 17 December 1969) (Edge) 0:58
   9. "Have You Heard Pt. 1/The Voyage/Have You Heard Pt. 2" (BBC radio concert 17 December 1969) (Pinder) - 5:50
10. "Nights in White Satin" (BBC radio concert 17 December 1969) (Hayward) - 3:12
11. "Legend of a Mind" (BBC radio concert 17 December 1969) (Thomas) - 4:37

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Sulla soglia di un sogno

2010-01-26T13:22:00.001+01:00

Con l'album successivo ("On The Threshold of a Dream", 1969), i Moody Blues confermano la formula già sperimentata precedentemente ed esplorano il mondo dei sogni, con uno sguardo alle mode (e ai modi) del tempo. Psichedelia, Freud, Così parlò Zaratustra (che richiamava ovviamente il film del momento: "2001, odissea nello spazio"), i figli dei fiori, tutto questo (e altro) trovava posto in questo lavoro. Un discorso a parte merita la copertina, tra le più affascinanti del periodo, opera di Phil Travers, come le altre del gruppo. L'originale era molto più scura del violetto che appare oggi sull'edizione CD. In quei toni, tra l'indaco e il blu royal dell'inchiostro stilografico, nella penombra delle nostre stanze poco illuminate, nei tardi pomeriggi autunnali, ognuno di noi ci trovava qualcosa di nuovo, mentre si ascoltavano per l'ennesima volta le note di "Never Comes the Day" o "Are You Sitting Confortably". Tornando alla musica, è vero che la pretenziosità e la magniloquenza fanno capolino, ma, pur non considerando questo lavoro all'altezza dei capolavori del progressive, a me piace. Senza dimenticare, in aggiunta, l'eccellenza tecnica della registrazione, su vinile o CD che sia.
Nel 2008 è uscita questa versione, debitamente rimasterizzata in digitale, con l'aggiunta di nove tracce, tra versioni alternative ed esibizioni dal vivo.

Formazione:

    * Justin Hayward - voce, chitarra
    * John Lodge - voce, basso
    * Michael Pinder - tastiera, voce
    * Ray Thomas - flauto, voce
    * Graeme Edge - batteria

Side One:

   1. "In the Beginning" (Graeme Edge) – 2:08
   2. "Lovely to See You" (Justin Hayward) – 2:34
   3. "Dear Diary" (Ray Thomas) – 3:56
   4. "Send Me No Wine" (John Lodge) – 2:21
   5. "To Share Our Love" (Lodge) – 2:53
   6. "So Deep Within You" (Mike Pinder) – 3:10

Side Two:

   1. "Never Comes the Day" (Hayward) – 4:43
   2. "Lazy Day" (Thomas) – 2:43
   3. "Are You Sitting Comfortably?" (Hayward, Thomas) – 3:30
   4. "The Dream" (Edge) – 0:57
   5. "Have You Heard (Part 1)" (Pinder) – 1:28
   6. "The Voyage" (Pinder) – 4:10
   7. "Have You Heard (Part 2)" (Pinder) – 2:26

Bonus tracks:

14. "In The Beginning (Full Version)" (Edge) - 3:28
15. "So Deep Within You (Extended Version)" (Pinder) - 3:30
16. "Dear Diary (Alternate Vocal Mix)" (Thomas) - 4:05
17. "Have You Heard (Original Take)" (Pinder) - 3:53
18. "The Voyage (Original Take)" (Pinder) - 4:20
19. "Lovely To See You (BBC Top Gear Session 18/2/69)" (Hayward) - 2:26
20. "Send Me No Wine (BBC Top Gear Session 18/2/69)" (Lodge) - 2:40
21. "So Deep Within You (BBC Tony Brandon Session 2/4/69)" (Pinder) - 3:08
22. "Are You Sitting Comfortably (BBC Tony Brandon Session 2/4/69)" (Hayward, Thomas) - 3:39

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L'accordo perduto (e ritrovato)

2010-01-26T00:14:00.000+01:00

1968. I Beatles mi avevano aperto una porta (nella mente) su un mondo (musicale, ma non solo) che mi aveva affascinato al primo sguardo. Ma non solo. Era nata una sete, una necessità, quasi una dipendenza che poteva placarsi solo con l'ascolto di musica "nuova" (nel senso di "mai ascoltata prima"), "giovane", per usare un termine in seguito abusato da troppi.
Vidi così la copertina di un album che mi incuriosì, non più di altre dell'epoca, ma avevo già ascoltato questo gruppo: "Night in White Satin" era un pezzo talmente celebre da meritarsi anche una versione italiana ("Ho difeso il mio amore", cantata da Nomadi e Profeti).
Considerati i precursori (almeno in Italia) del progressive, soprattutto per due caratteristiche: l'idea del "concept album" (i brani che componevano lo stesso, avevano un tema, musicale e/o testuale, unico e coerente) e la "sfumatura" delle canzoni una dentro l'altra (oggi si direbbe "mixaggio") tale da suggerire un ascolto unico e integrale dell'LP, i "Moody Blues" erano attivi già dal 1964, anno in cui si formarono a Birmingham come gruppo di Rythm&Blues. Dopo alcuni singoli e un 33giri a metà strada tra il R&B e il beat (in voga all'epoca), "The Magnificent Moodies", il gruppo, con qualche cambiamento di formazione, decide, nel 1966, di cambiare genere e svilupparne uno più originale basato su strumenti "nuovi": flauto, sitar e, soprattutto, mellotron (http://it.wikipedia.org/wiki/Mellotron). Passano così dalla Decca (loro prima casa discografica) alla DERAM, un'etichetta dello stesso Decca Music Group, dedicata però alle nuove sonorità, e incidono "Days of Future Passed". Grande successo per un album (e un singolo, il già citato "Night in White Satin") che risulta oggi un po' indigesto, per via dei pretenziosi arrangiamenti orchestrali, che appesantiscono l'ascolto oltremisura.
Tutta un'altra storia questo "In Search of the Lost Chord", uscito alla fine di Luglio 1968, inciso con tecnologie all'avanguardia (per l'epoca) che restituivano una purezza di suoni difficilmente riscontrabile in altri lavori coetanei. A questo concorreva anche l'eccellente qualità dei vinili della Decca/Deram, tra i migliori in assoluto. I Moody Blues ottengono la piena libertà artistica e, fatto abbastanza notevole, suonano tutti gli strumenti: niente turnisti o suonatori-fantasma.
Snobbato da alcuni critici, che lo considerano ancora troppo pretenzioso, è un album ancora oggi godibilissimo all'ascolto e ricco di brani accattivanti: "Ride my See-Saw", "Voices in the Sky", "Visions of Paradise" e altri. Testi e musica rimandano a suggestioni e riferimenti a culti e filosofie orientali.
Nel 2006 è uscita questa "DELUXE Edition" che comprende, oltre all'album originale rimasterizzato in digitale, un secondo disco con 15 brani tra versioni alternative, inediti ed esibizioni dal vivo.

Tracce:

   1. Departure – 0:48 - (Graeme Edge)
   2. Ride my See-Saw – 3:37 - (John Lodge)
   3. Dr. Livingstone, I Presume – 2:58 - (Ray Thomas)
   4. House of Four Doors – 4:11 - (Lodge)
   5. Legend of a Mind – 6:40 - (Thomas)
   6. House of Four Doors Pt. 2 – 1:43 - (Lodge)
   7. Voices in the Sky – 3:32 - (Justin Hayward)
   8. The Best Way to Travel – 3:12 - (Mike Pinder)
   9. Visions of Paradise – 4:15 - (Hayward/Thomas)
10. The Actor – 3:09 - (Hayward)
11. The Word – 0:49 - (Edge)
12. Om – 6:27 - (Pinder)

Tracce extra:

   1. Departure (Alternate Mix) – 0:55
   2. The Best Way to Travel (Additional Vocal Mix) – 4:03
   3. Legend of a Mind (Alternate Mix) – 6:43
   4. Visions of Paradise (Sitar Mix) – 4:30
   5. What Am I Doing Here? (Alternate Mix) – 3:53
   6. The Word (Mellotron Mix) – 1:01
   7. Om (Full Version) – 6:07
   8. A Simple Game (Justin Hayward Vocal Mix) – 3:26
   9. King and Queen – 3:53
10. Dr. Livingston, I Presume (BBC Top Gear Session 16/7/68) – 2:57
11. Voices in the Sky (BBC Top Gear Session 16/7/68) – 3:52
12. Thinking is the Best Way to Travel (BBC Top Gear Session 16/7/68) – 3:38
13. Ride My See-Saw (BBC Top Gear Session 16/7/68) – 3:49
14. Tuesday Afternoon (BBC Afternoon Pop Show 7/10/68) – 3:23
15. A Simple Game (Single Version) – 3:44

Formazione:

    * Justin Hayward - voce, chitarra
    * John Lodge - voce, basso
    * Michael Pinder - tastiera, voce
    * Ray Thomas - flauto, voce
    * Graeme Edge - batteria

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Disc1
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Comus here

2009-12-22T18:39:00.001+01:00

Ho vaghi ricordi di quando uscì questo disco (1971). L’allucinata e inquietante copertina e il giudizio un po’ affrettato (e alquanto errato…) del negoziante che sperava di vendemelo: “Un po’ King Crimson, un po’ Soft Machine”. Non mi fidai, anche se il disegno sulla copertina era attraente e repulsivo allo stesso tempo. Una volta i dischi si compravano (anche) per la copertina, prima ancora di ascoltarli. Molti anni più tardi, mi capitò di ascoltare qualche nota di questo gruppo, forse in un programma radiofonico, e mi decisi ad acquistare l’LP, ma, nel frattempo, era diventato introvabile. Da allora lo vado cercando, nemmeno fosse l’Arca perduta.
Poco tempo fa, vengo a sapere che nel 2005 la Castle Music ha pubblicato un cofanetto con i primi (e unici) due album del gruppo. Non è stato facile procurarmelo, ma in Internet si riesce a trovare quasi tutto.
Attivi nei primi anni ’70, i Comus sono diventati negli anni una band di culto. Anche per via del loro scarsissimo successo commerciale, che li ha portati ad un primo scioglimento dopo l’insuccesso del primo album, e poi, ricostituitisi con una formazione leggermente diversa per un secondo album, si scioglievano (quasi…) definitivamente alla fine del 1974.
Il gruppo si è formato attorno al nucleo costituito dal duo chitarristico Roger Wootton e Glenn Goring: due studenti del “Ravensbourne college of Art” di Bromley, nel Kent. Wootton e Goring iniziano a suonare insieme, in vari folk club, nel 1967. Ai due si uniscono Chris Youle, che diventerà il manager della futura band, e Colin Pearson (violino). Nel corso degli anni, altri componenti si aggiungeranno al gruppo (la cantante Bobbie Watson, il bassista Andy Hellaby) e la musica si evolve: da un folk stile “Pentangle” ad una musica che può rientrare nel rango di “progressive”, anche se lo stesso Glenn Goring ama definirla “acid folk”.
Finalmente, nel Giugno del 1970, riescono ad ottenere un contratto per incidere il loro primo album, “First Utterance”, che esce nel Febbraio del 1971. Comus, nome scelto da Youle, può riferirsi sia ad una divinità minore della mitologia greca, figura legata alla potenza disordinata del caos, sia ad una “masque” di John Milton. Con questo termine s'intende una forma di rappresentazione teatrale in voga nell'Inghilterra del XVI e XVII secolo. Praticamente un corteo di maschere che suonano, ballano e invitano gli spettatori a partecipare a danze e giochi. Il disegno della copertina, vero punto di forza del disco, è ispirato alla celeberrima copertina di “In The Court Of The Crimson King”, e l’autore è il chitarrista e fondatore della band, Roger Wootton. Glenn Goring disegnerà l’interno della copertina, altrettanto originale.

La formazione di questo primo album è la seguente:

•    Roger Wootton - chitarra folk, canto
•    Glenn Goring - chitarra a 6 e a 12 corde, chitarra elettrica, slide, tamburello, canto
•    Andy Hellaby - basso elettrico, basso fretless, canto
•    Colin Pearson - violino, viola
•    Rob Young - flauto, oboe, tamburello
•    Bobbie Watson - canto, percussioni

Il primo ascolto di “First Utterance” è folgorante. Le voci di Wootton (il modello è Roger Chapman dei Family) e quella acuta e cristallina di Watson si inseriscono in un insieme musicale (a volte disturbante, a volte dolcissimo) originalissimo e unico. Musica e testi sono pervasi da un’atmosfera oscura e quasi minacciosa, e le storie parlano di violenze, omicidi, disordini mentali, mentre una natura violenta domina sugli uomini, spesso inermi vittime di dei capricciosi e bastardi. Il risultato è un disco prezioso e originale come pochi. L’unico paragone che viene in mente è con “Breathe Awhile” dei semi-sconosciuti “Arcadium”, di due anni più vecchio e altrettanto raro. Molto belli i due brani lunghi (“The Herald”, con arpeggi di chitarra acustica veramente pregevoli, e “Drip Drip”), ma come dimenticare “Diana” e l’inquietante “Song To Comus”? Qualcosa del loro seme, invece, potremo ritrovarlo nei “Dead Can Dance” (ma anch’essi sono svaniti…) e negli “Space Ritual”, reincarnazione degli “Hawkwind”.
Qualche mese dopo l’uscita dell’album, complice l’insuccesso commerciale dello stesso, il gruppo si scioglie per l’abbandono di alcuni componenti (Glenn Goring, su tutti, ma anche il manager e co-fondatore Chris Youle). Tre anni più tardi, con una formazione allargata e alquanto diversa, ci riprovano e incidono, per la Virgin “To Keep From Crying”.

•    Roger Wootton - chitarra folk, canto
•    Andy Hellaby - basso elettrico, basso fretless, canto
•    Bobbie Watson - canto, percussioni
•    Lindsay Cooper - oboe
•    Philip Barry - percussioni
•    Gordon Caxon - batteria
•    Didier Malherbe - sassofono
•    Keith Hale - tastiere
•    Tim Kraemer - violoncello

Il risultato è abbastanza deludente, maggiormente se confrontato con l’eccellente esordio. Glenn Goring non c’è più e con lui sono andate le atmosfere più cupe e gli arpeggi più dolci, la voce sempre più acuta di Bobbie Watson ha preso il sopravvento su quella più ricca di sfumature di Roger Wootton, ma soprattutto è scomparso quel filo conduttore che fa di un lavoro ordinario un capolavoro unico. C’è ben poco da apprezzare in questo album: le canzoni scivolano verso un pop “americano” alquanto irritante e non bastano la maestria dei componenti (Lindsay Cooper e Didier Malherbe, su tutti) per salvare un disco da momenti a dir poco imbarazzanti. Ma nemmeno queste scelte musicali salvano i Comus da un altro disastro commerciale e relativo scioglimento.

L’esauriente cofanetto, da cui sono tratte le uppate che seguono, contiene, oltre ai due album:

•    tre brani di un mini-LP uscito prima di First Utterance;
•    un inedito dell’epoca (“All The Colours Of Darkness”, pregevolissimo);
•    due incisioni di Roger Wootton del 1974, da dimenticare.

Dopo una notte durata ben trentaquattro anni i Comus si riuniscono di nuovo il 9 Marzo del 2008 al Melloboat Festival, in Scandinavia, nella seguente formazione:

•    Roger Wootton - chitarra, canto
•    Glenn Goring - chitarra a 6 e a 12 corde, bongos
•    Andy Hellaby - basso
•    Colin Pearson - violino, viola
•    Bobbie Watson - canto, percussioni
•    Jon Seagroatt – flauto, percussioni

Comus plays again!
…

Song To Comus – The Complete Collection
Boxset/Compilation, released in 2005

Songs / Tracks Listing
Disc 1 (First Utterance (Dawn DNLS3019; released February 1971)) (71:50)
1. Diana (4:36)
2. The Herald (12:11)
3. Drip Drip (10:51)
4. Song to Comus (7:30)
5. The Bite (5:29)
6. Bitten (2:19)
7. The Prisoner (6:18)
8. Diana* (4:24)
9. In the Lost Queen's Eyes* (2:50)
10. Winter is a Coloured Bird* (8:01)
11. All the Colours of Darkness** (7:22)

Disc 2 (To Keep From Crying (Virgin V2018; released August 1974)) (47:53)
12. Down (Like a Movie Star) (4:07)
13. Touch Down (4:46)
14. Waves and Caves (1:34)
15. Figure In Your Dreams (3:11)
16. Children of the Universe (5:38)
17. So Long Supernova (3:22)
18. Perpetual Motion (4:07)
19. Panophany (0:31)
20. Get Yourself a Man (7:08)
21. To Keep from Crying (5:40)
22. After the Dream (1:00)
23. Fiesta Fandango*** (3:50)
24. New Tide*** (2:59)

* -- Maxi single (Dawn DNX 2506; released January 1971)
** -- Previously unreleased
*** -- Roger Wootton solo single (Virgin VS113; released November 1974)

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go, jónsi go

2009-12-14T20:50:00.003+01:00

Jón þor birgisson (jónsi) è cantante e chitarrista del gruppo islandese Sigur Rós. Nel 2010 uscirà il suo primo disco da "solo", con la collaborazione di altri musicisti, come Alex Somers, con cui ha realizzato il recente "Riceboy Sleeps" (ne abbiamo già parlato: http://ranierus.blogspot.com/2009/11/jonsi-alex-riceboy-sleeps.html); Nico Muhli, pianista e compositore americano, che ha al suo attivo collaborazioni artistiche con Björk e Philip Glass; Samuli Kosminen, percussionista finlandese.
L'album si chiamerà "go", uscirà a Marzo (precisamente il 22) 2010 e qui sotto trovate il link per scaricare una canzone ("boy lilikoi").
Si sente di più il marchio dei Sigur Rós, rispetto all'album con Alex Somers, molto piacevole all'ascolto e, come sempre quando si tratta del gruppo islandese, si respirano atmosfere "uniche".

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Caravanserraglio III

2009-12-01T17:37:00.002+01:00

Subito dopo l'uscita del loro secondo album, il gruppo ritorna in studio per la realizzazione di quello che sarà considerato il miglior lavoro dei Caravan, una pietra miliare del rock progressivo e, in definitiva, un capolavoro musicale. Sempre in bilico tra nonsense di sapore zappiano e melodie pop orecchiabili, adagiate su di un tappeto musicale che potremmo definire "prog-jazz" di eccellente qualità, le canzoni del disco scorrono via in un'atmosfera surreale e leggera fino al capolavoro nel capolavoro, autentico diamante di un diadema già di per sé stupendo: la suite "Nine Feet Underground", che occupava la seconda facciata dell'LP del 1971, anno di uscita di questo "In The Land Of Grey and Pink".

Due parole sulla copertina: disegnata da Anne Marie Anderson, è una delle icone del rock degli anni 70 e illustra, appunto, una terra (di mezzo?) in toni rosa e grigio. A mio avviso ha dato più di una ispirazione al regista Peter Jackson nella realizzazione della scenografia della terra degli Hobbitt per il film "Il Signore degli Anelli".

Tornando alla suite "Nine Feet Underground", si deve, probabilmente, all'intuizione del produttore David Hitchcock la fusione in questa forma di brani diversi registrati dalla band. Il risultato è un'esperienza di ascolto più unica che rara: c'è tutto il Canterbury sound in essa, ma non solo, echi che vanno dai Gentle Giant ai Colosseum, da Robert Wyatt ai Genesis, passando per i Pink Floyd. E ad ogni ascolto si scopre un'influenza, una citazione, quasi un'anteprima di qualcosa che è venuto dopo. Inutile dire che, dopo questo disco, i Caravan non hanno più raggiunto, nemmeno lontanamente, le vette toccate con questo lavoro. Del resto, David Sinclair se ne andrà poco dopo l'uscita del disco, per raggiungere Wyatt (Matching Mole) e più tardi anche Richard Sinclair abbandonerà la carovana per fondare "Hatfield & The North", una sorta di re-styling dei Caravan.

La versione che si può scaricare è stata rimasterizzata dalla DECCA/DERAM in digitale nel 2001 con l'aggiunta di materiale inedito, versioni alternative, strumentali o con liriche differenti.

Track Listing

All songs by R.Coughlan/P.Hastings/D.Sinclair/R.Sinclair, except "Aristocracy" (R.Coughlan/P.Hastings/R.Sinclair).

   1. Golf Girl
   2. Winter Wine
   3. Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)
   4. In the Land of Grey and Pink
   5. Nine Feet Undergound
      a. Nigel Blows a Tune
      b. Love's a Friend
      c. Make It 76
      d. Dance of the Seven Paper Hankies
      e. Hold Grandad By the Nose
      f. Honest I Did!
      g. Disassociation
      h. 100% Proof

      Bonus Tracks:

   6. I Don't Know Its Name (Alias The Word)
   7. Aristocracy
   8. It's Likely to Have a Name Next Week
   9. Group Girl
10. Disassociation / 100% Proof

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Caravanserraglio II

2009-11-24T18:57:00.002+01:00

Il secondo capitolo del nostro caravanserraglio mi da l'occasione per citare la formazione della band. Quattro elementi fissi: David Sinclair (tastiere e voce), Richard Sinclair (basso e voce), Pye Hastings (chitarre e voce), Richard Coughlan (batteria), più Jimmy Hastings (flauto e sassofono).
Dopo alcuni problemi organizzativi, dovuti al cambio di casa discografica (l'americana Verve chiuse la sezione inglese e il gruppo approdò alla Decca), i Caravan tornarono in studio nel Settembre del 1969 per alcune sessioni di registrazione del loro nuovo lavoro. Ma le registrazioni furono sospese dopo poche settimane per consentire al gruppo di ottemperare ai numerosi contratti stipulati per esibizioni dal vivo in Inghilterra e nel resto d'Europa. In queste occasioni i Caravan divisero il palco con alcune band di grande prestigio come Pink Floyd, Yes, Nice, Colosseum, Soft Machine. Alcuni giurano di aver assistito ad una loro "jam-session" (come si diceva una volta) con Frank Zappa alla chitarra. Ripresero il lavoro nei Tangerine Studios solo nel Febbraio del '70 per completare il loro secondo album, "If I Could Do It All Over Again, I'd It All Over You", che uscì nel Settembre del 1970. Il titolo gioca sul doppio senso che assume l'espressione "to do all over" nelle due accezioni citate nel titolo stesso.
Come previsto il gruppo ha raggiunto una piena maturità artistica, tanto che il disco è stato definito "uno dei primi manuali del rock di Canterbury". Perfettamente in equilibrio tra psichedelia e "progressive" per come riescono, i Caravan, a stemperare gli aspetti più prog della loro musica (le lunghe suite, ad esempio) con momenti di autentica psichedelia, creando a loro volta un genere distintivo e personalissimo. Pregevoli tutti i brani dell'album, con una menzione particolare per le due suite, veramente emozionanti soprattutto nel momento degli attacchi di David Sinclair all'organo.
La versione "uppata" è stata ristampata su CD e rimasterizzata nel 2001 con l'aggiunta di quattro brani tra inediti e versioni alternative.

Track Listing

All songs by Richard Coughlan, Pye Hastings, Jimmy Hastings, Richard Sinclair and or Dave Sinclair.

Side one

   1. "If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You" – 3:07
   2. "And I Wish I Were Stoned / Don't Worry" – 8:20
   3. "As I Feel I Die" – 5:06
   4. "With an Ear to the Ground You Can Make It / Martinian / Only Cox / Reprise" – 9:54

Side two

   1. "Hello Hello" – 3:45
   2. "Asforteri" – 1:21
   3. "Can't Be Long Now / Francoise / For Richard / Warlock" – 14:21
   4. "Limits" – 1:35

Bonus tracks on 2001 CD rerelease

   1. "A Day in the Life of Maurice Haylett" – 5:40
   2. "Why? (And I Wish I Were Stoned) – 4:22
   3. "Clipping the 8th (Hello Hello)" – 3:13
   4. "As I Feel I Die" – 4:39

Enjoy.

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Caravanserraglio I

2009-11-20T00:03:00.003+01:00

Il gruppo musicale dei "Caravan" appartiene a quella che noi, vecchi amanti della musica, conosciamo come "scuola di Canterbury". Cosa si intende con questo termine? Innanzitutto Canterbury è una delle più antiche città dell'Inghilterra. Situata nella contea del Kent, nel sud del paese è, ancora oggi, uno dei centri culturali più importanti del Regno Unito. Sede di una famosa università (University of Kent) ha visto svilupparsi, nei magici '60, un movimento musicale che ha affiancato e alimentato quel grande genere che conosciamo come "progressive". Le radici di questo movimento (o stile) vanno ricercate nel beat (siamo nei primi anni del decennio), nei primi esperimenti psichedelici e anche nella musica tradizionale (folk). La scintilla deve essere scoccata dall'incontro tra due geni purissimi, Robert Wyatt e Daevid Allen, ai quali si aggiunse Hugh Hopper per dare vita, di volta in volta con altri musicisti, a formazioni aperte, instabili, elastiche e di breve durata: Daevid Allen Trio e, soprattutto, Wilde Flowers. I componenti di questo semi-leggendario gruppo, che non incise mai un disco, hanno dato vita al nucleo di entrambe le formazioni che hanno simbolicamente costituito i due estremi della cosiddetta "scena di Canterbury": da una parte il jazz dei Soft Machine, dall'altra il versante più "psichedelico", più leggero dei Caravan.

I Caravan incidono il loro primo disco (Caravan) nell'Ottobre del 1968 a Londra; è anche il primo disco di un gruppo inglese per l'etichetta americana di Frank Zappa, la Verve.

I brani sono melodie leggere con molte influenze tardo-beat e altro (Brian Auger, Moody Blues, Syd Barrett). La voce di Richard Sinclair, peraltro, è molto simile a quella di Robert Wyatt, ma ci sono anche intuizioni musicali genuine e già distintive. Il tutto da l'impressione di una piena maturità non ancora raggiunta, ma le premesse sono buone e le promesse verranno mantenute.

L'incisione originale del 1968, abbastanza rara, è stata rieditata e rimasterizzata in digitale dalla Decca nel 2002, nelle due versioni, mono e stereo e l'aggiunta di un brano che verrà poi riproposto nel disco successivo, in una versione differente.

Track Listing

All tracks credited to Sinclair, Hastings, Coughlan & Sinclair except where noted

Side one

   1. "Place of my Own" – 4:00
   2. "Ride" – 3:41
   3. "Policeman" – 2:45
   4. "Love Song with Flute" – 4:09
   5. "Cecil Rons" – 4:05

Side two

   1. "Magic Man" – 4:01
   2. "Grandma's Lawn" – 3:23
   3. "Where but for Caravan Would I?" (Sinclair, Hastings, Coughlan, Sinclair, Hopper) – 9:01

The 2002 CD re-release included two full versions of the album, in its original mono and in stereo, and an extra track "Hello Hello" (3:12) which had originally been issued as a single.

Enjoy.

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Richard Wright - Discografia Solista

2008-09-19T08:13:00.013+02:00

Due righe per il blog, scritte più a carattere personale che musicale, accompagnate dai link per i 2 dischi di Richard Wright.

E' difficile scrivere di Rick Wright. Difficile perché è sempre stato un personaggio in ombra che, se pure schierato con Gilmour e Mason nella battaglia legale con Waters per i diritti sul materiale Pink Floyd, di fatto non è mai stato 'in prima linea'. Difficile se si vuole evitare di cadere nella cronaca della sua vita personale e musicale. Difficile perché tutta la sua musica, anche quella celeberrima, anche quella che sentiamo ogni giorno, anche quella che sembra 'esplodere' nelle nostre orecchie (fra tutti i brani ricorderò "The great gig in the sky"), in realtà contiene sempre una nota intimista, interiore. Musica fatta per essere compresa e goduta, non solo ascoltata; e di certo non solo con le orecchie. Musica che parla prima alla nostra mente che ai nostri sensi.

Wet Dream, 1978

Tutte le canzoni sono di Rick Wright, tranne dove annotato.

01 Mediterranean C

02 Against The Odds

03 Cat Cruise

04 Summer Elegy

05 Waves

06 Holiday

07 Mad Yannis Dance

08 Drop In From The Top

09 Pink's Song (Rick e Juliette Wright)

10 Funky Deux

Richard Wright – Tastiere, Voci, Oberheim Synthesizer

Snowy White – Chitarre

Larry Steele – Chitarra basso

Reg Isadore – Batterie e percussioni

Mel Collins – Sassofono e flauto

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Broken China, 1996

01 Breaking Water

02 Night of a Thousand Furry Toys

03 Hidden Fear

04 Runaway

05 Unfair Ground

06 Satellite

07 Woman of Custom

08 Interlude

09 Black Cloud

10 Far from the Harbour Wall

11 Drowning

12 Reaching for the Rail

13 Blue Room in Venice

14 Sweet July

15 Along the Shoreline

16 Breakthrough

Songs composed by:

1, 2, 10, 12, 15, 16 Wright/Moore

3, 13 Wright/Gordon

4, 7 Moore

5, 6, 8, 9, 11, 14 Wright

Richard Wright – tastiere, piano, programming, sintetizzatori, voce

Tim Renwick – chitarre

Dominic Miller – chitarre

Steven Bolton – chitarre

Pino Palladino – basso

Manu Katché – batteria, percussioni

Sian Bell – cello

Kate St. John – oboe, corno inglese

Maz Palladino – voce

Sinéad O'Connor – voce in “Reaching for the Rail” e “Breakthrough”

Jason Reddy: computers

Anthony Moore – computer programming e arrangiamenti

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Bruno Meoli

Richard Wright

2008-09-17T19:24:00.003+02:00

Richard Wright(July 28, 1943 - September 15, 2008)

Come dice il mio amico Bruno Meoli: "mi piace pensare che sia da qualche parte ora, e un angelo gli abbia appena detto - Hey Rick, mi suoni The Great Gig in The Sky?"

Sigur Ros - Hvarf/Heim

2008-07-09T10:06:00.005+02:00

“Con un ronzio nelle nostre orecchie suoniamo senza fine” Sigur Rós

Partendo dal titolo della loro ultima fatica per riscoprire un grande album....

La prima volta che ho sentito i Sigur Rós è stato nel bellissimo finale di “Vanilla Sky”, quando il protagonista, sul tetto di un grattacielo, si appresta a vivere un’altra vita.
È così che ci si sente, quando si comincia ad assaporare la loro musica.
Ci si sente altri.
Altrove.
La loro musica possiede il dono di riuscire a toccare il cuore di chi la ascolta.
Più tardi la persi.

Mi rimase una sensazione, quasi un terogusto di piacere, e niente più.

Non era tempo.

In seguito il mio amico Marco me ne parlò e mi diede anche un disco, che aveva copiato da qualche parte. Non la riconobbi. L'ascoltai distrattamente e poi persi pure il disco del mio amico.
Ancora non era tempo.
O forse sono solamente molto disordinato.
Pochi giorni fa mi spedisce l'ultimo Sigur Rós. Sempre lui, Marco, la mia guida. Ne parliamo, anche, tra poco faranno un concerto a Roma, ma i biglietti sono terminati da qualche mese. Peccato. Però la loro musica, ora, trova posto nel mio iPod. È un attimo, ritrovo quelle sensazioni perdute.
Adesso, è tempo.
Cerco i loro dischi, non mi accontento della codifica. Li trovo quasi tutti ed ora, finalmente, posso farmi toccare il cuore da quelle note.

Il doppio disco Hvarf/Heim si integra con il documentario Heima (Dean DeBlois, 2007), eletto miglior film documentario di tutti i tempi dagli internauti di IMDb, la bibbia del cinema in rete (al secondo posto c'è "Notte e nebbia" del 1955, di Alain Resnais, un capolavoro universalmente riconosciuto, tanto per capirsi...).
Hvarf ('scomparso' o anche 'rifugio') è un disco di 5 brani "elettrici" registrati in studio, Heim ('casa') è un disco di 6 brani "acustici" registrati dal vivo in Islanda insieme al quartetto d'archi Amiina, che sovente accompagna i Sigur Rós nei concerti.
Pressoché assenti le note di copertina (la track list è scritta direttamente sul CD), ma la scelta, a mio avviso, è orientata alla volontà di focalizzare l'attenzione dell'ascoltatore unicamente sulla musica e sulle due sfuggenti immagini, riprodotte anche sui CD, così da integrarli e "mimetizzarli" perfettamente con il contenitore, sempre sobrio ed elegantissimo quando si tratta dei Sigur Rós.

Il disco elettrico ha tre inediti e due canzoni già presenti sul loro primo album (il quasi introvabile "Von") ma reinterpretate in maniera diametralmente opposta: intime, notturne, nascoste in origine, ora ariose, solari, con crescendo meravigliosamente coinvolgenti. Attenzione al terzo titolo, "Í Gaer": l'attacco dopo il carillon è da brivido.

Il disco acustico non contiene inediti, anche se alcuni brani hanno un titolo diverso dall'originale, o meglio, adesso hanno un titolo, visto che "Samskeyti" era il terzo brano dell'album "senza titoli" "( )" e "Vaka" era il primo dello stesso. Fondamentale lo straordinario apporto delle quattro musiciste del gruppo Amiina. Le interpretazioni qui sono più leggere, quasi sfumate, più dolci, intime, nonostante l'esecuzione dal vivo.

Niente altro da dire, se non riportarvi una frase che ho letto a proposito di questo gruppo "...non abbiate bisogno di decenni per riconoscere che i Sigur Rós sono tra i pochi autentici grandissimi di questi anni. Oggi".
Perfettamente d'accordo.
Buon ascolto.

http://www.mediafire.com/?xy3m4pzgz2t
http://www.mediafire.com/?o2dhzm2mrxw

Raniero

Dall'archivio di Alessandro... Intorno a David Sylvian

2008-07-01T15:00:00.003+02:00

Continuiamo con David Sylvian.....
Alessandro ci invia due suoi articoli su David che ci aiutano a comprendere e leggere la bellissima discografia ragionata di Renzo Pietrolungo pubblicata oggi.
Un invito all'ascolto......

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“The First Day” - David Sylvian e Robert Fripp live on tour 1992
di Alessandro Staiti

pubblicata sul mensile "Music"

Mentre la sala del Teatro Olimpico si riempie quasi fino a scoppiare, dagli speakers vengono ancora diffuse le note di un memorabile concerto dei King Crimson (Pittsburg, 1974). E’ un’occasione unica per ascoltare una splendida versione di “Doctor Diamond” (un inedito della band) e incredibili improvvisazioni che, nonostante i diciotto anni, suonano ancora attualissime. Ma ecco che arriva sul palco il “California Guitar Trio”: Paul Richards, Hideyo Moriya e Bert Lams, tre dei migliori allievi del “Guitar Craft” di Robert Fripp, con le loro scintillanti Ovation Shallowbody Cutaway sbalordiscono letteralmente la platea: composizioni fresche e innovative, non solo nelle soluzioni armonico-compositive, ma soprattutto nello spirito che le anima. Oltre al proprio repertorio il trio si esibisce con inaspettate trascrizioni per la New Standard Tuning (la nuova accordatura per chitarra presentata da Robert Fripp nel 1985) di composizioni classiche come “Ricercar”, tratto da “L’Offerta Musicale, Bwv 1079” e la “Ciaccona” (“Seconda Partita per violino, Bwv 1004”) di Johann Sebastian Bach. Poi lo scenario cambia repentinamente; nella penombra si insinua una nota fissa, il suono suadente di “Soundscape”: di lì a poco compaiono Sylvian, l’imponente Trey Gunn e Robert Fripp. La luce blu fa scorrere note cosmiche, fino a quando l’atmosfera viene letteralmente dilaniata da un attacco hard della Les Paul di Fripp che intona gli accordi brucianti di “Fire Power”: l’energia che viene sprigionata incolla il pubblico alle poltrone, mentre Sylvian inserisce un cantato basso e dissonante in quel magma sonoro. E’ un attrito lacerante e i vecchi fans dei King Crimson non tardano a riconoscere la qualità che ha sempre contraddistinto il Re Cremisi. I toni tornano rarefatti e lunari con “Ascension”; Fripp fa largo uso delle Frippertronics nella nuova edizione elettronica che ha sostituito gli ingombranti Revox modificati mutuati da Brian Eno. Il concerto prosegue alternando momenti di intenso lirismo ad altri di totale esplosione sonora: si susseguono “Song #1”, “Subterranean Burn”, “The First Day”, “Jean The Bird Man”, “Splatology”, “The House In Which We Live”, “Protopunk”, “The Blinding Light Of Heaven”. Trey Gunn con il suo stick è capace di creare poliritmi inusitati e complicatissimi che creano una struttura ideale per gli interventi di Fripp e Sylvian. David, che si accompagna con le tastiere, di tanto in tanto imbraccia una piccola Steinberger elettrica. L’ultimo brano della scaletta “Urban Landscape” è la rivisitazione di un’improvvisazione frippertronica che già compariva nel primo album solista del chitarrista cremisi “Exposure”. I due lasciano il palco mentre ancora scorrono le note del brano, sullo stile delle vecchie esibizioni “Fripp-Eno”. Prima di salutare definitivamente il pubblico Fripp torna sul palco per esibirsi con il California Guitar Trio, fornendo il proprio contributo ad un brano del repertorio della League Of Crafty Guitarists, assieme a Trey Gunn. Poi è la volta di Sylvian che stupisce e ammalia i fans, (accorsi perfino dall’Inghilterra per non perdere questa occasione unica!) riproponendo una indimenticabile versione di “Ghosts” dal repertorio dei Japan. Quindi Fripp, Sylvian e Gunn concludono il concerto bissando la title track “The First Day”. I King Crimson non sono ancora tornati in vita: ma è solo questione di tempo. Fripp aveva promesso che con la primavera del 1992 sarebbero iniziate le prove con il nuovo line-up della band. Inizialmente Sylvian doveva esserne il cantante, ma per diverse ragioni il progetto si è trasformato nell’attuale collaborazione. I nuovi King Crimson, invece, vedranno Trey Gunn allo stick, Tony Levin al basso (ed è a causa dell’impegno dal vivo di Levin con Peter Gabriel che il Re Cremisi dovrà attendere), Jerry Marotta alla batteria (con gran disappunto di Bill Bruford, imputato da Fripp di “non andare a tempo”), lo stesso Fripp alla chitarra in duetto con Adrian Belew, cantante come nella precedente edizione. Eppure, al di là dei vari personaggi che si trovano di volta in volta a dar loro voce, i King Crimson erano, almeno in spirito, lì sul palco quella sera, a offrire un piccolo saggio di quel che sarebbe accaduto se David Sylvian ne fosse diventato il cantante…
Alessandro Staiti

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MUSIC BOX

INTERVISTA

DAVID SYLVIAN

Con “Brilliant Trees” David Sylvian rompe il silenzio dopo lo scioglimento dei Japan. Poco prima era tornato a collaborare con Ryuichi Sakamoto, l’amico con cui aveva già lavorato in “Gentlemen Take Polaroids” e nel mix “Bamboo Music/Bamboo Houses”, per dare alla luce “Forbidden Colours”, colonna sonora di “Merry Christmas Mr. Lawrence”, noto al pubblico italiano come “Furyo”.

Giù la maschera
La seconda metà degli Ottanta ha visto Mr. Batt (il vero cognome di David) protagonista: i suoi album solisti dopo lo scioglimento della band hanno catturato il cuore degli ascoltatori. David è un artista nel senso più completo del termine: la raccolta di istantanee “Perspectives-Polaroids”, il video “Steel Cathedrals”, il libro di liriche “Trophies”, l’installazione di sculture, luci e suoni realizzata assieme a Russell Mills, che ha visto la pubblicazione in un elegante cofanetto con libro “Ember Glance: The Permanence Of Memory”, sono la testimonianza di una sensibilità sottile, di un gusto sempre teso alla sperimentazione e incline alla sfumatura, il tutto sotteso da atmosfere dark, risplendenti di una luce crepuscolare, romantica. Dischi come “Brilliant Trees”, “Gone To Earth”, “Secrets Of The Beehive”, hanno lasciato un segno indelebile come inizio di una nuova corrente musicale che proprio nei Novanta sta trovando il suo naturale svolgimento. L’ultimo tour di David “In Praise Of The Shaman”, che ha toccato nel 1988 anche l’Italia, ha presentato concerti che per la loro intensità e sacralità potevano essere paragonati ad una sorta di liturgia, un’offerta musicale dei tempi moderni. Poi la decisione di riformare i Japan: ma una volta in studio, David si è reso conto che il gruppo era ormai oltre, e ha scelto il nome di Rain Tree Crow. David torna in scena, e questa volta con Robert Fripp, altro “sacerdote della musica”. Il nuovo disco di David Sylvian e Robert Fripp si intitola come il tour che lo scorso anno ha toccato Giappone e Italia: “The First Day”, interamente registrato in studio con un line up più completo rispetto agli spettacoli live che comprendevano i soli protagonisti, più Trey Gunn (un allievo della scuola di Robert) allo stick, il disco introduce elementi decisivi per comprendere in quale direzione si muoveranno i due artisti nel corso degli anni Novanta.
L’intervista
Incontriamo David Sylvian in uno dei più raffinati hotel della Capitale. Ha i capelli più corti dall’ultima volta che ci siamo visti, niente più occhiali e un accenno di barba che promette di diventare più folta in qualche tempo. Lo sguardo è luminoso e l’atmosfera che irradia è ancor più calda e gioiosa di sempre. Lo accompagna in questo tour di interviste promozionali Ingrid Chavez (già nella band di Prince), la ventottenne e deliziosa moglie di origini messicane, che fra qualche mese darà alla luce un erede per David.
- Come è nato “The First Day”?
“Dalle ultime performances con Robert, collaborazione che è iniziata con “Gone To Earth” nel 1986. Il primo disco che ho ascoltato di Robert è stato ‘No Pussyfooting’, registrato assieme ad Eno, e poi sono approdato a ‘Discipline’ che ho molto amato. Ci siamo tenuti in contatto e Robert, nel 1989, mi ha chiesto se fossi stato interessato a unirmi ai nuovi King Crimson. Io ero molto interessato al progetto, ma mi resi conto che avrei dovuto collaborare con Robert in un contesto diverso. Abbiamo composto i nuovi brani specificamente per le live performances che sono iniziate nel febbraio 1992 in Giappone e che sono terminate a giugno in Italia. Il lavoro è andato man mano cambiando, evolvendosi, e quando ci siamo trovati in studio non sapevamo ancora che tipo di album avremmo inciso. Abbiamo iniziato con i brani più aggressivi del concerto, ma con l’aggiunta delle percussioni: i nuovi arrangiamenti li hanno trasformati e drammaticamente estesi in altre direzioni. L’album è piuttosto aggressivo, molto potente.”
- Ci sarà un altro tour in Italia?
“Sì, verremo in Italia nella seconda settimana di novembre, con la line-up al completo che per ora prevede, oltre me, Robert e Trey, Michael Brook alla chitarra. Brook suonerà anche l’opening act e poi si unirà al gruppo. Per il batterista sono in corso delle audizioni in questi giorni. Saremo in cinque. Probabilmente suoneremo anche qualche vecchia canzone di Robert e mia.”
- C’è un brano in particolare, “20th Century Dreaming (A Shaman’s Song)”, che mi sembra si ricolleghi concettualmente ai tuoi “Words With A Shaman”. Come mai ti interessa tanto al figura dello sciamano?
“Lo sciamano è una figura interessante con cui lavorare. C’è ormai un cliché dell’artista come sciamano nella società moderna, c’è anche il cliché dell’artista come medium. Sì sono cliché, ma sono veri. Quando un artista dà il meglio di sé è come un medium: l’energia che arriva nel lavoro va al di là della mente e dell’ego dell’artista coinvolto. E se il lavoro è un successo in se stesso quando raggiunge l’ascoltatore lo mette in contatto con l’energia e si crea un circolo, una connessione. E se il lavoro ha un effetto catartico, di guarigione, è un lavoro sostanziale. Questo è il ruolo sciamanico dell’arte nella società: ha delle proprietà guaritrici connesse con una realtà spirituale. Se ognuno di noi è un artista, nel senso che tutti abbiamo un nostro potenziale creativo, che è l’elemento più importante del nostro essere, allora è vero che ognuno di noi è anche uno sciamano: abbiamo tutti la possibilità di entrare in contatto con queste proprietà spirituali. Questo per me è molto interessante, questa possibilità di operare una connessione; non abbiamo più bisogno dello sciamano al di fuori di noi, del prete: il contatto viene operato direttamente. Se tutti noi riconoscessimo ciò e agissimo di conseguenza, potremmo trasformare la nostra natura e il mondo intorno a noi e potrebbe aver luogo un cambiamento evolutivo.”
“Sto lavorando, dopo l’ultima che è stata con Russell Mills, ad una nuova installazione audio/video con Robert per il 1994 che promette di essere molto interessante: ho organizzato il ‘concept’ dell’idea proprio ora e ne sono molto entusiasta, penso che funzionerà bene, ne ho già parlato con Robert. Appena lascerò Roma andrò a Zurigo per incontrare Kaito, uno scultore di luci giapponese. Collaborerà con noi a questo progetto che verrà installato in una galleria situata all’interno di un tempio a Tokyo. Il tempio a sua volta sorge ove una volta vi era un cimitero: c’è un energia molto intensa in quel posto, molto potente e tangibile. Il titolo all’installazione è stato dato da Robert ed è ‘Redemption’.
-Dall’ascolto dell’album si trae una sensazione di gioia: c’è qualche relazione con la tua situazione personale?
“Sono uscito da un periodo molto difficile, molto intenso e molto distruttivo, il più oscuro della mia vita. Poiché queste crisi si sono risolte e sono ormai trascorse, sento di poterne scrivere come una naturale risoluzione del mio lavoro su me stesso. Così posso raccontare le frustrazioni che ho provato, il guardare nell’oscurità e scorgere il nulla più assoluto. E’ stato molto difficile, ma di esperienze molto forti. Mi son trovato di fronte alla mia vita, capendo che molte cose erano ormai trascorse e che dovevo spostarmi in un’altra direzione. Ho visto me stesso sotto luci molto differenti e non è stato facile riconoscermi; stavo cadendo, volevo capire perché. Sì, ora la mia vita è cambiata: ho una moglie, sto per avere un bambino, e questo è splendido, e molte esperienze spirituali potenti e profonde: The First Day può essere considerato un documento di tutto questo.”
Alessandro Staiti

DAVID SYLVIAN: DISCOGRAFIA RAGIONATA di Renzo Pietrolungo

2008-07-01T11:15:00.003+02:00

Da un caro amico, Renzo Pietrolungo, un articolo che rispecchia un grande amore.

L'articolo è apparso su:

=== ELEPHANT TALK ===
rivista musicale elettronica

diretta da Riccardo Ridi
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Anno X Numero 62 (12 Aprile 2004)
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e quindi non considera l'ultimo quadriennio, ma è di grandissimo interesse.
Un grazie a Renzo per l'autorizzazione.

DAVID SYLVIAN: DISCOGRAFIA RAGIONATA / di Renzo Pietrolungo

Quando ci si appresta a ricostruire la discografia di un artista che si ama bisogna essere coscienti che si può solo sbagliare; chi lo conosce già bene sa di poter legger poche cose che già non sa, mentre chi lo conosce poco potrebbe annoiarsi nello scorrere un freddo elenco. E così, pur con la prospettiva di scontentare gli uni e gli altri, proverò a fare una discografia/elenco quanto più completa possibile, cercando di non essere asettico, magari con qualche commento originale a corredo.
1982
Dopo lo scioglimento dei Japan, David Sylvian inizia il suo percorso solistico e lo fa collaborando con il musicista con il quale dividerà estemporaneamente ma approfonditamente molte fasi della sua carriera, Ryuichi Sakamoto. DS si circonderà nei successivi vent’anni di alcuni dei più interessanti protagonisti della musica moderna, con la sola imperdonabile eccezione di Brian Eno.
Nell’anno in questione esce il singolo Bamboo Houses che contiene l’omonimo brano e Bamboo Music – in un’edizione giapponese ai brani viene aggiunto Forbidden Colours, che è la canzone che ancora oggi è forse la preferita dai fan. All’inizio qualcuno confonde la voce di DS con quella di Bowie, che è invece il protagonista assieme a Sakamoto del film “Merry Christmas, Mr Lawrence” (in Italia “Furyo”). Forbidden Colours è il momento più struggente di tutta la colonna sonora del film.
Una breve apparizione nell’album LE POLLEN di Pierre Barouh e verso la fine dell’anno DS collabora con Sandii and The Sunsetz in due brani (Living on the Frontline e Where the Fire Still Burns nell’album IMMIGRANTS) di cui compone le parole e partecipa come voce di accompagnamento.
Un delizioso duetto (Goodnight dall’album AI GA NAKUCHA NE) con la signora Sakamoto, Akiko Yano, chiude l’anno; preferisco sorvolare sulla qualità degli altri brani dell’album.
1983
Il 1983 vedrà la pubblicazione di un single: Forbidden Colours con sul retro un brano strumentale di Sakamoto: Seed and The Sower.
Due anni di transizione, il 1982 e 1983, nel segno della musica di influenza pop giapponese.
1984
Nel 1984 si comincia a fare sul serio; anticipato dal singolo Red Guitar (Forbidden Colours come b-side) esce il primo albumBRILLIANT TREES:
1. Pulling Punches
2. The Ink in the Well
3. Nostalgia
4. Red Guitar
5. Weathered Wall (Sylvian/Hassell)
6. Backwaters
7. Brilliant Trees (Sylvian/Hassell)
Un esordio scintillante ed un album fondamentale nel percorso di DS, che contiene i semi di tutti i lavori a venire, grande cura del suono e degli arrangiamenti, riferimenti etnici, atmosfere dilatate, canzoni di gusto personale, di stile riconoscibile ed ovviamente il caldo e profondo vibrato che lo colloca tra le voci più belle della musica moderna. La musica è di una bellezza struggente e spesso indaga in territori poco esplorati ed evocativi. All’album collaborano
grandi musicisti come Holger Czukay, Steve Jansen, Richard Barbieri, Ryuichi Sakamoto, Steve Nye, Jon Hassell, Kenny Wheeler, Mark Isham, Phil Palmer, Ronny Drayton, Wayne Braithwaite, Danny Thompson. Molti di questi musicisti accompagneranno DS lungo buona parte della carriera.

All’album fanno seguito 2 singoli:

The Ink In The Well;

Pulling Punches

Il primo singolo contiene nel b-side la versione instrumental diWeathered Wall (il promo
del singolo contiene una versione ancora diversa, senza charleston).
1985
Nel 1985 appare uno degli oggetti di desiderio dei collezionisti, infatti sotto forma di LaserDisc viene pubblicato PREPARATIONS FOR A JOURNEY, che poi uscirà anche come VideoCD (non che questo sia più facile da trovare):
1. Preparations for a Journey
2. The Women at the Well
3. The Women at the Well (slow version)
4. Le Mystere des Voix Bulgares: Pilentze Pee (traditional)
5. Le Mystere des Voix Bulgares: Kalimankon Denkon (traditional)
6. Showing the Wound (A Will to Health)
Nel video viene documentato l’interesse di DS per il lavoro con le foto Polaroid che sarà oggetto della mostra PERSPECTIVE, POLAROIDS 82-84, che mostra assemblaggi e montaggi di foto, un pò nello stile di David Hockney, un po’ come sulla copertina del secondo album dei Talking Heads. Il catalogo della mostra è molto ricercato dai collezionisti.
L’ultimo brano diventerà in seguito Steel Cathedrals colonna sonora di un documentario sulla periferia industriale di Tokyo. The Women at The Well non sarà mai pubblicata successivamente su cd.
Alla fine dell’anno viene pubblicato un singolo importante Words with the Shaman che sviluppa i temi più etnici della musica di BRILLIANT TREES.
Ancora musicisti di grande calibro come Steve Jansen, Jon Hassell, Kenny Wheeler, Holger Czukay, Ryuichi Sakamoto, Robert Fripp, Masami Tsuchiya, Percy Jones.
Il singolo viene integrato con Steel Cathedrals e Preparations for a Journey ed esce solo per il Giappone con il titolo di ALCHEMY – AN INDEX OF POSSIBILITIES:
1. Words with the Shaman
Part 1: Ancient Evening (Sylvian/Hassell)
Part 2: Incantation (Sylvian/Hassell)
Part 3: Awakening (Sylvian/Hassell/Jansen)
2. Preparations for a Journey
3. Steel Cathedrals (Sylvian/Sakamoto)
ALCHEMY viene rimasterizzato nel 2003 aggiungendo le b-side del singolo Pop Song uscito nel 1989:
1. Words with the Shaman (Ancient Evening) (Sylvian/Hassell)
2. Words with the Shaman (Incantation) (Sylvian/Hassell)
3. Words with the Shaman (Awakening) (Sylvian/Hassell/Jansen)
4. Preparations for a Journey (Sylvian)
5. The Stigma Of Childhood (Kin)
6. A Brief Conversation Ending In Divorce
7. Steel Cathedrals (Sylvian/Sakamoto)
Steel Cathedrals esce anche come video in edizione limitata a 2000 copie e sarà poi ristampato nel 1989 includendo:

1. Preparations for a Journey
2. The Women at the Well
3. Steel Cathedrals
e con questa nota: “This short film was shot in two days of November 1984 in, and around the outskirts of, Tokyo, Japan.A large part of the music was completed during that same month and recorded over a period of three days.I later updated the material in London, in an attempt to elaborate on the theme started earlier in Japan, and to further improve the quality of the soundtrack." DS, Aug 1985.
Da citare che DS suona le tastiere nel brano P-Machinery dell’album A SECRET WISH dei Propaganda.
1986
Una nuova collaborazione con Sandii and The Sunsetz: l’album si chiama BANZAI BABY e il brano This Is Not Enough è pressochè interamente ascrivibile a Sylvian.
La seconda parte dell’anno alza i veli sul secondo lavoro solistico GONE TO EARTH, album sotto la evidente e marcata influenza di Robert Fripp, il quale suona nella maggior parte dei brani. La musica cambia direzione rispetto al primo album che si chiudeva in maniera eterea e da subito i temi si fanno più terreni.
L’album è preceduto dal singolo Taking The Veil, che contiene anche Answered Prayers e in alcune edizioni anche Taking The Veil (Julian Mendelsohn Mix) e A Bird of Prey Vanishes into a Deep Blue Cloudless Sky - le b-sides anticipano i temi più ambient che caratterizzeranno il secondo LP/CD. Curiosa l’edizione picture in vinile rettangolare.
GONE TO EARTH esce come doppio LP, ma l’edizione in CD non conterrà tutti i brani, al solito in Giappone esce qualcosa di diverso e cioè l’edizione completa su 2 CD. La cover è di Russell Mills, artista con cui Sylvian esprimerà un’ottima collaborazione in diverse occasioni. I musicisti sono Steve Jansen, Richard Barbieri, Bill Nelson, Robert Fripp, Ian Maidman, Steve Nye, John Taylor, Kenny Wheeler, Harry Beckett, Phil Palmer, Mell Collins, B.J. Cole.
La musica della prima parte è di grande forza espressiva, le tinte sono suggestive e materiche.
Nella seconda parte molti brani avrebbero potuto trovare spazio nella MUSIC FOR FILM di Brian Eno.
L’edizione giapponese contiene:
1. Taking the Veil
2. Laughter & Forgetting
3. Before the Bullfight
4. Gone To Earth
5. Wave
6. River Man
7. Silver Moon
8. The Healing Place
9. Answered Prayers
10. Where the Railroad Meets the Sea
11. The Wooden Cross
12. Silver Moon over Sleeping Steeples
13. Camp Fire: Coyote Country
14. A Bird of Prey Vanishes into a Deep Blue Sky
15. Home
16. Sunlight Seen through Towering Trees
17. Upon This Earth
L’edizione su singolo CD non contiene i brani n. 12, 13, 14 e 16, presenti invece nel remaster 2003, al quale vengono aggiunti:

1. Riverman (Remix by David Sylvian and Richard Moakes)
2. Gone To Earth (Remix by David Sylvian and Richard Moakes)
3. Camp Fire: Coyote Country (Remix by David Sylvian and Richard Moakes)
L’anno si chiude con il singolo Silver Moon che comprende Gone to Earth e una diversa edizione di Silver Moon over Sleeping Steeples.
1987
È l’anno di SECRETS OF THE BEEHIVE, ma prima DS canta e scrive i testi di due brani di DREAMS OF REASON PRODUCE MONSTERS di Mick Karn: Buoy e When Love Walks In. Nell’album suona anche nel brano Land.
Canta in un bel duetto con Virginia Astley in Some Small Hope nell’album HOPE IN A DARKENED HEART, prodotto da Sakamoto. Il brano esce anche come singolo.
Suona anche la chitarra e il piano nel pezzo A Perfect Day dell’album LIFE IN MIRROR di Masami Tsuchiya.
In autunno esce il singolo Let The Happiness In che contiene un remix (più esattamente una extended version) di Buoy ma soprattutto è presente una spettacolare Blue Of Noon: outtake strumentale dalle sessioni di BRILLIANT TREES scritta da DS ma suonata da uno strepitoso Sakamoto al piano.
In novembre esce SECRETS OF THE BEEHIVE, un capolavoro di livello assoluto; tutto si tiene in un album più intimista rispetto alla pulsante fisicità di GONE TO HEART, dove anche il silenzio, le lunghe pause hanno un senso.
Grande spazio ha qui Sakamoto, presente in tutti i brani e curatore degli arrangiamenti degli archi. Suonano anche David Torn, Phil Palmer, Mark Isham, Danny Thompson, Steve Jansen, Danny Cummings:
1. September
2. The Boy with the Gun
3. Maria
4. Orpheus
5. The Devil's Own
6. When Poets Dreamed of Angels
7. Mother and Child
8. Let the Happiness in
9. Waterfront
10. Forbidden Colours
Forbidden Colours e’ presente in una versione diversa rispetto alla originale.
Al solito l’edizione giapponese si distingue per la presenza di Promise (The Cult of Eurydice) al posto di Forbidden Colours. La versione in LP non contiene né l’una né l’altra, così come il CD incluso nello splendido cofanetto antologico WEATHERBOX (vedi 1990). Il remaster del 2003 contiene Promise e il promo contiene Promise (Instrumental) che è la versione originale del brano; DS decise di aggiungervi la parte vocale solo in seguito – un bel grattacapo per i collectors. 1988
Esce la prima delle due collaborazioni con Holger Czukay, maestro della sperimentazione: PLIGHT & PREMONITION, due lunghe suites registrate durante l’inverno 1986-87 ma pubblicate in seguito a causa di controversie legali. La musica perde forma a favore di modalità più improvvisate e meno immediate:
1. Plight (The Spiralling of Winter Ghosts)
2. Premonition (Giant Empty Iron vessel)
L’anno si chiude con la pubblicazione del singolo Orpheus che includeThe Devil's Own e in una diversa edizione Mother and Child.
1989
Si pubblica la seconda collaborazione con Holger Czukay: FLUX + MUTABILITY.
1. Flux (A Big, Bright, Colourful World)
2. Mutability (A New Beginning is in the Offing)
La musica richiama la prima collaborazione.
In ottobre compare il singolo Pop Song:
1. Pop Song
2. A Brief Conversation Ending in Divorce
3. The Stigma of Childhood (Kin)
Pop Song anticipa gli arrangiamenti più elettronici delle collaborazioni del periodo più recente. L’ultimo brano rappresenta un frammento della composizione che fu registrata per lo spettacolo teatrale 'Kin', rappresentato l’8 settembre 1987.
DS ha dichiarato di non aver intenzione di pubblicarla; una registrazione “non ufficiale” fatta da uno spettatore sembrerebbe esistere..
L’anno si chiude con l’uscita dell’oggetto del desiderio per eccellenza per tutti i fan, una confezione sontuosa creata da Russell Mills, e in WEATHERBOX si riepiloga la summa della discografia di DS. Il prezioso cofanetto include BRILLIANT TREES, ALCHEMY (con in più i 2 brani strumentali da Pop Song), GONE TO EARTH e GONE TO EARTH INSTRUMENTAL, SECRETS OF THE BEEHIVE (senza Promise o Forbidden Colours). È, assieme al libro PERSPECTIVE, POLAROIDS 82-84, oggetto delle aste più combattute su Ebay.
1991
È l’anno dell’unica riunione dei quattro ex-Japan, in marzo escono due singoli basati su Blackwater e che comprendono un brano non presente nell’album RAIN TREE CROW – nel remaster del 2003 I Drink To Forget verrà invece aggiunto come ultimo brano:
1. Blackwater
2. Red Earth
3. I Drink to Forget
1. Blackwater
2. Rain Tree Crow
3. Red Earth
4. I Drink to Forget
In aprile esce RAIN TREE CROW, album discontinuo, di grande eleganza stilistica e che contiene alcune perle, ma le carriere dei quattro hanno preso strade diverse e l’esperimento non si ripeterà:
1. Big Wheels in Shanty Town
2. Every Colour You Are
3. Rain Tree Crow
4. Red Earth (As Summertime ends)
5. Pocket Full of Change
6. Boat's for Burning
7. New Moon at Red Deer Wallow
8. Blackwater
9. A Reassuringly Dull Sunday
10. Blackcrow Hits Shoe Shine City
11. Scratching on the Bible Belt
12. Cries and Whispers
Sylvian collabora con Hector Zazou nell’album SAHARA BLUE, ma qualcosa non va per il verso giusto. Due canzoni:

To a Reason e Victim of Stars vengono pubblicate nella prima edizione ma poi vengono tolte dalla successiva;
i motivi di tale scelta sono ancora oggi sconosciuti, come dichiarato recentemente dallo stesso Zazou.

DS suona anche in altri brani dell’album e compare sulla copertina come “Mr. X”. DS compone anche un brano, Royauté, inserito in una raccolta di outtakes e versioni alternative da SAHARA BLUE, raccolta di difficile reperibilità.
Un altro box di pregevole fattura, sebbene piuttosto delicato e difficile da trovare in condizioni “mint”, sempre ad opera di Russell Mills, è EMBER GLANCE che contiene un libro di 100 pagine e le musiche per l’omonima installazione in Tokyo. Le musiche sono di evidente impostazione ambient e sono funzionali alle opere esposte:
1. The Beekeeper's Apprentice (Sylvian/Perry)
2. Epiphany (Sylvian)
Assieme a DS suona Frank Perry.
Esiste un video privato girato da Yuka Fujii, a fianco di DS da sempre, che documenta le fasi di allestimento dell’installazione, a partire dalla raccolta di parte del materiale nei boschi inglesi per finire con l’installazione completa.
Il video è stato duplicato ed è oggetto di scambio “carbonaro” tra i fan più irriducibili.
DS ritrova Sakamoto in HEARTBEAT e in particolare nel bellissimo brano omonimo Heartbeat (Tainai Kaiki II) che ospita anche uno stellare intervento alla chitarra di Bill Frisell, di grande efficacia. DS canta anche in Cloud # 9.
Nell’album canta anche la futura signora Sylvian, Ingrid Chavez, incontrata proprio durante le sessioni di registrazione.
1993
THE FIRST DAY vede una formazione che è in parte King Crimson: sono presenti Fripp, Trey Gunn, David Bottrill, Jerry Marotta, Marc Anderson e Ingrid Chavez. Il suono, le strutture dei brani sono prepotentemente legate alle idee di Fripp, che chiede, senza esito, a DS di diventare il cantante dei King Crimson, ma la collaborazione non riesce ad esprimere tutte le potenzialità degli artisti coinvolti; meglio andrà con l’album dal vivo tratto dal tour in cui oltre a DS sono presenti Fripp, Trey Gunn, Pat Mastellotto, Michael Brook:
1. God's Monkey (Sylvian/Fripp/Gunn/Bottrill)
2. Jean the Birdman (Sylvian/Fripp/Gunn)
3. Firepower (Sylvian/Fripp/Gunn)
4. Brightness Falls (Sylvian/Fripp/Gunn)
5. 20th Century Dreaming (A Shaman's Song) (Sylvian/Fripp/Gunn)
6. Darshan (The Road to Graceland) (Sylvian/Fripp/Gunn/Bottrill)
7. Bringing down the Light (Fripp)
All’album seguiranno due singoli oggi difficili da trovare e che contengono dei brani bellissimi (soprattutto nel primo) non pubblicati in altri formati:
1. Jean the Birdman (Sylvian/Fripp/Gunn)
2. Earthbound /Starblind (Sylvian/Fripp)
3. Endgame (Sylvian)

e
1. Jean the Birdman (Sylvian/Fripp/Gunn)
2. Gone To Earth (1986)
3. Tallow Moon (Sylvian solo)
4. Dark Water (Fripp solo)
A seguire un maxi single con remix dedicati al brano Darshan
1. Darshan (The Road to Graceland) (Translucent remix by The Grid)
2. Darshana (Re-constructed by The Future Sound of London)
3. Darshan (The Road to Graceland)
1994
All’inizio del 1994 esce in USA una raccolta promozionale chiamata RETROSPECTIVE – GOD’S MONKEY mentre in settembre APPROACHING SILENCE abbina le musiche dell’installazione EMBER GLANCE alle musiche di un’altra installazione in Tokyo REDEMPTION-APPROACHING SILENCE curata assieme a Robert Fripp:
1. The Beekeper's Apprentice
2. Epiphany
3. Approaching Silence
Esiste un promo uscito in USA con le stesse musiche ma con timbrica più aperta.
A fine anno viene pubblicato l’unico album dal vivo DAMAGE, dal tour del ’93: il repertorio guadagna molto dalle esecuzioni live, purtroppo non tutto lo spettacolo viene portato su CD, la produzione è di Fripp:
1. Damage (Sylvian/Fripp/Gunn)
2. God's Monkey
3. Brightness Falls
4. Every Colour You Are
5. Firepower
6. Gone to Earth
7. 20th Century Dreaming (A Shaman's Song)
8. Wave
9. Riverman
10. Darshan (The Road to Graceland)
11. Blinding Light of Heaven
12. The First Day (Sylvian/Fripp/Gunn)
La bella confezione in box , di nuovo curata da Russell Mills comprende un libretto di 32 pagine e il CD oro: sparirà dai negozi quasi subito.
Gli anni che seguono e fino alla pubblicazione di DEAD BEES ON A CAKE vedono DS esprimersi solo attraverso collaborazioni.
Nel 1996 con Nicola Alesini e Pier Luigi Androni nell’album MARCO POLO:
Come Morning
The Golden Way
Maya
Con Andrea Chimenti nell’album L’ALBERO PAZZO:
Ti ho aspettato (I’ve waited for you)
Con Russell Mills nell’album UNDARK:
How Safe Is Deep?
Brano che verrà ripreso nel singolo Godman con il titolo di Shadowland.
Nel 1997 partecipa in un brano dell’album DISCORD di Sakamoto recitando una poesia nel brano finale. È la stessa poesia recitata in Thoroughly Lost To Logic nella raccolta EVERYTHING & NOTHING che sarà pubblicata nel 2000.
Nel 1998 sempre con Alesini e Andreoni in MARCO POLO II con versioni alternative di The Golden Way e Maya contenute nella traccia multimediale dell’album.
Sebbene non citato nel libretto, scrive le musiche di I Was Waving At You nell’album ANAVOOG.COM di Ana Voog.
1999
È l’anno di DEAD BEES ON A CAKE preceduto dai 2 singoli I Surrender:

1. I Surrender
2. Les fleurs du mal
3. Starred and Dreaming
1. I Surrender (edit)
2. Whose Trip Is This?
3. Remembering Julia
Nei due singoli vengono incluse le versioni definitive di 4 dei 6 brani di LITTLE GIRLS WITH 99 LIVES, un CD realizzato in 15 copie per amici di DS: una delle copie fu “sottratta” al legittimo proprietario e poi indebitamente duplicata e distribuita. Gli altri due brani: Lighthouse e Snowfall non sono stati ancora pubblicati. Tutti i sei brani sono leggeri e gradevoli, con la sola voce di Ingrid Chavez.
In marzo esce dopo lunga attesa DEAD BEES ON A CAKE, album complesso, discontinuo e permeato della nuova ricerca spirituale di DS. L’album propone una ricerca stilistica molto raffinata cercando talvolta di coniugare Oriente e Occidente in maniera originale:
1. I Surrender
2. Dobro #1
3. Midnight Sun
4. Thalheim
5. God Man
6. Alphabet Angel
7. Krishna Blue
8. The Shining of Things
9. Café Europa
10. Pollen Path
11. All of My Mother's Names
12. Wanderlust
13. Praise
14. Darkest Dreaming
I musicisti sono Ryuichi Sakamoto, Tommy Barbarella, Marc Ribot, Bill Frisell, Lawrence Feldman, Kenny Wheeler, John Giblin, Chris Minh Doky, Ged Lynch, Scooter Warner, Steve Jansen, Talvin Singh, Deepak Ram, Steve Tibbetts, Ingrid Chavez, Shree Maa.
Un curiosità relativa all’ultimo brano: durante il tour 2001, finito il concerto e durante l’uscita del pubblico, venne riprodotto un Darkest Dreaming Instrumental che speriamo di poter avere un giorno su supporto digitale. Alcuni bootleg di quel tour contengono la preziosa traccia.
In settembre esce il singolo multimediale Godman, anche in versione limited (5000 copie) anche se esistono numerazioni (di poco) superiore a tale numero:
1. God Man
2. Shadowland
3. Godman (Wagon Christ Mix)
4. Shadowland (Northfield)
5. Godman (Guy Sigsworth Remix)
6. Video: Time Spent
(L’ultimo titolo e’ un video già utilizzato come “Electronic Press Kit” di presentazione di DEAD BEES ON A CAKE.)
Nello stesso mese compare anche la collaborazione con Russell Mills nel bellissimo album PEARL + UMBRA
The Rooms of Sixteen Shimmers
(nell’album sono presenti tra gli altri Peter Gabriel e Brian Eno)
2000
Nell’ottobre 2000 esce la prima vera raccolta di brani significativi di DS con aggiunte di outtakes dai precedenti album tra cui si segnala per bellezza la mitica Ride di cui tutti i fan aspettano di veder pubblicata la versione originale, registrata ma non inserita in SECRETS OF THE BEEHIVE. Si sa per certo che l’ingegneree del suono dello studio di registrazione olandese dove fu registrato l’album ha ancora i master. Qualche anno fa, dietro insistenze, mise a
disposizione un brano di circa trenta secondi, che fu montato e distribuito in rete con il nome di Ride (loop version).
Quei pochi secondi bastarono ad incendiare la curiosità dei fan.
Nella raccolta, i brani vengono rimasterizzati,alcuni remixati ed altri ricantati da DS. Il titolo è EVERYTHING AND NOTHING:

1. The Scent of Magnolia ('Dead Bees' outtake; nuovo mix e voce 1999/2000)
2. Heartbeat (Tainai Kaiki II) (remixed 1999/2000)
3. Blackwater
4. Albuquerque (Dobro # 6) ('Dead Bees' outtake)
5. Ride ('Secrets of the Beehive' outtake; nuovo mix e voce 1999/2000)
6. The Golden Way (remixed 1999/2000)
7. Ghosts (nuovo mix e voce 1999/2000)
8. Pop Song
9. Every Colour You Are
10. Wanderlust
11. God's Monkey
12. Let the Happiness In
13. I Surrender
14. Thoroughly Lost To Logic (inedito del 1989; mixed 1999/2000)
1. Jean the Birdman
2. Cover Me with Flowers ('Dead Bees' outtake; nuovo mix e voce 1999/2000)
3. The Boy with the Gun
4. Riverman
5. Aparna and Nimisha (Dobro #5) ('Dead Bees' outtake)
6. Midnight Sun
7. Orpheus
8. Some Kind of Fool ('Gentlemen Take Polaroids' outtake; nuovo mix e voce 1999/2000)
9. Cries and Whispers
10. Godman
11. Laughter and Forgetting
12. Buoy (1987 remix)
13. Weathered Wall (remixed 1999/2000)
14. Bamboo Houses (remixed 1999/2000)
15. Come Morning (remixed 1999/2000)
bonus CD in edizione limitata:
1. The Scent of Magnolia (edit)
2. The Blinding Light of Heaven (studio version - inedito)
3. The Scent of Magnolia (Portobello Mix)
4. Brilliant Trees (versione 2000)
DS ricanta anche Forbidden Colours nell’album CINEMAGE di Sakamoto.
2001
Una collaborazione con il musicista francese Readymade nell’album BOLD è la prima uscita del 2001 con il brano Sugar Fuel.
DS partecipa al progetto NO MORE LANDMINE promosso da Sakamoto – esce il singolo Zero Landmine:
1. Zero Landmine
2. Zero Landmine (Piano+Vocal version)
3. Zero Landmine (Piano+Cello version)
4. Zero Landmine (Short version)
5. Zero Landmine (Piano version)
6. Zero Landmine (The Track)
Il brano (20 minuti circa) viene eseguito dal vivo coordinando artisti di varia estrazione in luoghi geograficamente molto lontani (Giappone, Mozambico, Usa) che sono collegati via satellite. Un grande sforzo organizzativo e tecnologico che viene trasmesso dalla TV giapponese.
Segue una riedizione di DAMAGE, curata stavolta da DS che cambia il mix e l’equilibrio del suono rendendolo più morbido: si sentono meglio anche le parti chitarristiche di Michael Brook, DS toglie Darshan ed inserisce Jean The Birdman.
Un’altra collaborazione, stavolta con Chris Vrenna dei Nine Inch Nails nel brano Linoleum incluso nell’album THE ATTRACTION TO ALL THINGS UNCERTAIN. L’album di Vrenna e’ a nome Tweaker.
Il brano in questione verrà ripreso in un EP con differenti remix:
Linoleum (edit)
Linoleum (The Josh Wink Interpretation)
Linoleum (Wamdue 2-Step Vocal Experience)
Linoleum (King Britt's Scuba Mix)
Linoleum (Teargas & Plateglass remix)
Linoleum (Paul Leary remix)
2002
Nel 2002 un’altra raccolta, questa volta però riservata ai brani strumentali: CAMPHOR. Anche qui sono presenti alcuni remix:
1. All of My Mother's Names
2. Red Earth (As Summertime ends)
3. Answered Prayers
4. The Song Which Gives the Key to Perfection ('EVERYTHING AND NOTHING TOURBOOK/CD 2001)
5. New Moon at Red Deer Wallow
6. Praise (Pratah Smarami)
7. Wave (Version) (nuovo mix)
8. Mother and Child (remixed by Jan Bang + Erik Honoré)
9. Plight (The Spiralling of Winter Ghosts) (nuovo mix)
10. Upon This Earth (nuovo mix)
11. Big Wheels in Shanty Town
12. The Healing Place
13. Camphor ('EVERYTHING AND NOTHING TOURBOOK/CD 2001)
14. A Brief Conversation Ending in Divorce
Bonus CD:
1. Plight (The Spiralling of Winter Ghosts) (nuovo mix)
2. Mutability (A New Beginning is in the Offing) (nuovo mix)
3. Premonition (Giant Empty Iron Vessel) (nuovo mix)
Nel brano Mother And Child è presente Nils Petter Molvaer alla tromba. La raccolta è l’ultima uscita per la Virgin: la casa discografica detiene l’intero catalogo che verrà ripubblicato rimasterizzato nel 2003, in confezioni arricchite rispetto agli originali. I rapporti fra Virgin e DS non sono mai stati idilliaci ma recentemente Sylvian ha dichiarato che non ci sono mai stati comunque nemmeno grossi contrasti, piuttosto una sorta di indifferenza.
2003
Nel 2003 DS pubblica per la propria etichetta, Samadhi, il suo primo lavoro post-Virgin. BLEMISH è un album che poco allo spettacolo e che trasmette disagio da ogni nota - numerosi ascolti sono necessari per entrare in sintonia con queste musiche. In tre brani suona Derek Bailey e nel bellissimo A Fire In The Forest è presente Christian Fennesz.
Quest’ultimo brano dà il nome al tour che si svolge negli ultimi mesi dell’anno:
1. Blemish
2. The Good Son
3. The Only Daughter
4. The Heart Knows Better
5. She Is Not
6. Late Night Shopping
7. How Little We Need To Be Happy
8. A Fire in the Forest
Tanto per non perdere il vizio, l’edizione giapponese e l’edizione limitata in vinile includono una traccia aggiuntiva intitolata Trauma. Il brano, in forma incompleta, è stato disponibile per il download (per errore) da una pagina di archivio dati della prima versione del sito ufficiale . Nonostante le buone intenzioni dichiarate, nel sito,sin dall’inizio, e’ disponibile per il download soltanto una versione live di Orpheus dal tour del 1988.
Ad oggi l’ultimo lavoro pubblicato è un maxi-single: World Citizen, di nuovo, e come spesso è accaduto in 21 anni, scritto a due mani con Sakamoto:
1. World Citizen (I won't be disappointed) (short version)
2. World Citizen (short version)
3. World Citizen (I won't be disappointed) (long version)
4. World Citizen (long version)
5. World Citizen (Ryoji Ikeda remix)
Del brano sono stati pubblicati una looped piano version ed una re-cycle version nell’edizione giapponese dell’album CHASM di Sakamoto – album che uscirà a maggio 2004 in Europa con contenuto arricchito.
Nell’album VENICE di Christian Fennesz, uscito all’inizio di marzo, Sylvian canta nel brano Transit, in cui la base musicale spinge la voce malinconica verso un forte contrasto timbrico ed emotivo.
DS partecipa al progetto CHAIN MUSIC di Sakamoto, il quale ha attualmente coinvolto in questa catena dieci musicisti. Ciascuno di essi aggiunge qualcosa alla musica che riceve, passandola poi al musicista successivo, “chain” appunto.
Infine, ad inizio aprile Sylvian compone For The Life Of Love, ending theme della serie televisiva giapponese dell'affermato manga MONSTER.
Nel corso di tutti questi anni Sylvian suona in tour nel 1988: In Praise Of Shamans, 1992: The First Day, 1993: The Road To Graceland, 1995: Slowfire, 2001: Everything & Nothing Europa, 2002: Everything & Nothing Usa, 2003: Fire In The Forest.
Durante i tour vengono eseguiti brani che non sono stati ancora pubblicati e in particolare Under Ingrid’s Wheel, The House in Which We Live nel tour 1992, I Do Nothing e It’ll never happen again di Tim Hardin nel tour 1995 e Blue Skinned Gods e Wasn’t I Joe? nel tour 2003.
Oggi David Sylvian è un artista che non dipende più da una major ed è possibile immaginare per lui una maggiore libertà di azione e di espressione. I progetti di cui si hanno notizia al momento (metà marzo 2004) sono una nuova collaborazione con Chris Vrenna sotto la denominazione “tweaker” (il brano si chiama Pure Genius), un brano nel nuovo album di Masakatsu Takagi (con Sylvian e Jansen nell’ultimo tour a curare la parte visuale) e un album assieme al fratello Steve Jansen, lavoro interrotto a favore della creazione di BLEMISH.
Giunto al termine mi preme ringraziare Vittorio Pio per avermi chiesto di preparare questo articolo e voglio ringraziare l’amico Gerrit Hillebrand per essere tornato nell’estate scorsa a tenere in vita quello che tutti considerano il sito di riferimento su David Sylvian e cioè . Il sito è di una completezza imbarazzante ed è un’autentica miniera di informazioni; molti nuovi visitatori lo confondono con il sito ufficiale, almeno a leggere i messaggi lasciati nel guestbook.

Renzo Pietrolungo

Bergamo chiude alla musica libera !!!

2008-06-28T16:49:00.002+02:00

Su richiesta dell'autore, volentieri aderiamo alla diffusione

A Bergamo non si può più suonare...

MUSICA NON LIBERA A BERGAMO !!!

di Diego Ancordi VENERDI 23 MAGGIO

Di ritorno da Milano per un servizio, sono andato direttamente al Caffè Letterario, dove suonava il Modal Sound Trio.A parte il trio in scena, sapevo che fra il pubblico avrei trovato altri vecchi amici che non vedo molto spesso e la cosa mi faceva piacere.Arrivato intorno alle 22,30, in via San Bernardino, ho visto che i vigili avevano chiuso la via con le macchine a lampeggianti accesi e c'era polizia in giro. Ho pensato fosse successo qualcosa, che avessero trovato chissà che in qualche appartamento, ma una volta giunto sulla porta del locale ho visto che era in atto un controllo all'interno del locale stesso.Una decina fra vigili e poliziotti avevano invaso il Caffè Letterario requisendo i documenti a tutti i presenti, attuando perquisizioni e naturalmente facendo interrompere il concerto.Mi hanno detto che il locale verrà sicuramente multato perchè una recente ordinanza del nostro sindaco proibisce nei locali l'uso di strumenti a percussione.Una disposizione di fatto già in vigore ma finora poco considerata.All'interno del BAR-LIBRERIA c'erano parecchi avventori sopra i 40 anni, tra cui una mia amica incinta (non per opera mia) e i nonni ottantenni di uno dei muscisti, subito portati via per evitare loro uno spavento eccessivo, visto l'incredibile spiegamento di forze.L'atmosfera era tranquilla e rilassata, come dovrebbe essere in un locale tranquillo dove va gente tranquilla ad ascoltare cose tranquille: fra il pubblico diversi vecchi amici si ritrovavano dopo molto tempo e regnava un'atmosfera gioviale e distesa.D'un tratto l'atmosfera allegra e serena si è trasformata in un chiaro esempio di TERRORISMO e INTIMIDAZIONE e ci si è trovati nel pieno di quella che sembrava una vera e propria retata in un covo di rapinatori albanesi: strada chiusa (!?!?!), agenti ovunque, controlli e vessazioni che ormai sono all'ordine del giorno. Nemmeno negli anni '70... La gente era sconcertata e allibita.

MA PERCHE'????? ????????? ????????? ????????? ?????

COSA HANNO FATTO??????? ??????

HANNO FATTO DEL MALE A QUALCUNO???? ????????? ?

HANNO CREATO DANNI A QUALCUNO???? ????????? ????

Controlli di tutti i documenti (compreso il mio dopo che, atteso per una ventina i minuti di entrare in un circolo culturale di cui sono socio, ho protestato perchè la cosa mi veniva impedita senza motivo) e perquisizioni in un clima da Gestapo totalmente immotivato. Un agente mi ha detto che l'iniziativa era stata disposta dal capo dell'Annonaria e un'arrogante vigilessa ha spiegato che la cosa rientra fra le iniziative annunciate nell'ambito del pacchetto sicurezza e che anche i giornali locali le avevano annunciate. Il "Pacchetto sicurezza" consiste naturalmente nell'andare a interrompere i concerti, nell'impedire ai cittadini onesti che lavorano e pagano le tasse di andarsi a bere qualcosa in un locale il venerdì sera e ascoltare un po' di Musica in santa pace. Si sa che per la sicurezza dei cittadini è bene impedire loro adunate sediziose in luoghi dove si vendono libri, si tengono incontri e presentazioni di autori e si ascolta musica, perchè è qui che nascono i malviventi!! !!!!!!!!! Evidentemente in questo posto di merda dove abbiamo la sciagura di vivere non ci sono ancora sufficienti deliquenti perchè le foze dell'ordine comincino ad occuparsi di loro invece di rompere il cazzo alla gente normale. Insomma, in questo schifo di posto dove non auguro a nessuno di essere giovane, prosegue senza sosta la criminalizzazione dei musicisti, degli appassionati di musica e dei locali dove si fa musica.La situazione è ormai insostenibile, fra poco troveremo gli agenti che arrestano pericolosi batteristi in manette, i locali saranno tutti chiusi e la città sarà finalmente in mano ai malavitosi, ai marocchini con il coltello in tasca, ai boliviani ubriachi e alle gang che già esistono anche dalle nostre parti (soprattutto composte da giovani boliviani e sudamericani portati qui a frotte dal nostro Vescovo).Quando, quindicenne, cominciai a suonare la batteria mai mi sarei aspettato, 30 anni più tardi, mentre il resto del mondo civilizzato va avanti, di VEDERMI BANDITO COME MUSICISTA DALLA MIA CITTA' e di assistere a questa situazione surreale.Abito in zona stazione, dove ormai la sera si esce di casa con circospezione e tensione.E questi pezzi di merda continuano a rendere la vita impossibile a luoghi e persone dove si fa cultura e dove si mantiene un minimo di vita all'interno di una città fantasma.Probabilmente è proprio la cultura che dà fastidio a chi comanda: la cultura rende liberi e la musica è una passione sana, ma la gente intelligente da queste parti non piace... PERO' QUESTA SERA AVREMO BOB DYLAN A BERGAMO! CHE COLPO! CHE MERAVIGLIA! CHE CITTA' ALL'AVANGUARDIA! RIEMPIAMOCI LA BOCCA E CELEBRIAMO QUESTO STRAORDINARIO EVENTO!

Nel frattempo impediamo ai nostri figli di prendere in mano uno strumento musicale, tanto qui non avranno mai possibilità di suonarlo o dovranno farlo di nascosto come dei malviventi.Perdonate lo sfogo, sono solo un appassionato di musica, critico musicale e musicista per hobby criminalizzato e pervaso da un'infinita e profonda tristezza.Quella sera sono tornato casa con un nodo alla gola senza trovare risposte al mio interrogativo: PERCHE'? Ora ci diranno che nel locale avranno trovato irregolarità (forse la presenza di un non socio?) o di avere sequestrato droga o chissà che altro.In realtà hanno trasformato in un INFERNO una serata bella, piacevole e tranquilla senza uno straccio di plausibile pretesto. Cosa che ormai succede sempre più spesso.MA PERCHE'? PERCHE'? Ma non è tutto.Quella che sta colpendo i locali dove si fa musica è una persecuzione vera e propria e riguarda tutta la nostra schifosa provincia. Vi riporto solo alcuni esempi. BERGAMO – Daragi: In occasione delle Selezioni Provinciali per il concorso nazionale Italia Wave, una pattuglia dei Carabinieri e una della Polizia Locale fanno interrompere le esibizioni alle ore 22,10.L'intervento è richiesto dal solito derelitto del piano di sopra.TORRE BOLDONE – Arci Delta House: I Carabinieri creano gravi problemi e minacciano la sospensione della licenza se non viene impedito l'ingresso ai non soci e obbligano i gestori a telefonare A ME per aggiungere nelle segnalazioni sulla pagina degli Appuntamenti dell'Eco di Bg la dicitura "ingresso riservato ai soci".BERGAMO – Druso: Da tempo vige l'assoluto divieto di far suonare strumenti a percussione. Solo roba acustica.Ma qui siamo in un condominio e la cosa può essere comprensibile.CITTA' ALTA – Chiostro di San Francesco: La sera dell'inaugurazione arriva subito la Polizia Locale e rovina l'intera stagione imponendo la chiusura alle ore 23.CURNO – Keller: Dopo anni di heavy metal in un locale dove non ci sono case e che quindi non rompe il cazzo a nessuno, arrivano le Forze dell'Ordine e interrompono la programmazione live imponendo al locale la chiusura a mezzanotte.CITTA' ALTA – Parco Sant'Agostino: un luogo splendido per i concerti, ma i ricchi delle ville sottostanti non accettano il "rumore" per qualche giorno all'anno e i residenti, che pensano Città Alta sia di loro proprietà, non vogliono gente in giro.A me, due anni fa, per un parcheggio sbagliato, tagliarono una gomma dell'auto.Quindi, quest'anno, niente più concerti a Sant'Agostino.Sono solo alcuni esempi, quelli che mi sono stati riportati.Ma sicuramente ce ne sono altri.A tutto ciò aggiungiamo la gravissima repressione fatta di controlli in ogni angolo, posti di blocco ovunque, e criminalizzazione di gente che fa cose normali nella vita, come andare a cena o a bersi una birra e per questo vedersi rovinare, sequestrare l'automezzo, eccetera.IO NON SO COME I RAGAZZI POSSANO ACCETTARE TUTTO QUESTO SENZA REAGIRE.D'ACCORDO CHE LE NUOVE GENERAZIONI SONO COMPOSTE DA SMIDOLLATI ATTRATTI SOLO DA TELEFONINI, DISCOTECHE DI MERDA E GRANDE FRATELLO, MA ANCHE LORO HANNO UNA DIGNITA' E UNA LIBERTA' DA DIFENDERE!!! !A questo punto, cari amici, credo sia necessario unire le forze e fare qualcosa per contrastare questo stato di cose.Invito musicisti e gestori di locali ad organizzarsi, ad incontrarsi in una riunione generale e propongo la costituzione di una associazione dei musicisti locali, al fine di promuovere iniziative atte a denunciare questa situazione gravissima e cercare di difendersi.Difendersi dalla criminalizzazione di cose assolutamente normali.La musica è una passione sana e non esiste che chi la fa venga trattato in questo modo.Diffondete questa mail a tutti i musicisti che conoscete, anche quelli non bergamaschi.E comunicate la vostra eventuale disponibilità ad associarsi e ad impegnarsi per organizzare iniziative di protesta.

Cazzo... ORGANIZZATEVI!!!!!!! !!!!!!!!! !!!!!!!!! !!!!!!!!! !!!!!!!!! !!!!!!!!!

Diego Ancordi,
giornalista e musicista di Bergamo, con la preghiera di diffusione

Pescando tra i ricordi..... Parliamo del Banco del Mutuo Soccorso

2008-06-26T16:27:00.006+02:00

Un articolo del 13 maggio 1992 di Alessandro Staiti

pubblicato sul quotidiano "QuiGiovani"

IL CONCERTO DEL BANCO DEL MUTUO SOCCORSO A ROMA INAUGURA IL NUOVO TOUR

Un Banco in soccorso della musica italiana

oppure

Da qui, Messere si domina la valle

Tra l’entusiasmo di fans vecchi e nuovi rivivono i fasti degli anni Settanta

Il Banco del Mutuo Soccorso ha segnato la nascita del rock d’arte in Italia. Sulla scia del fenomeno inglese, negli anni Settanta sono state gettate le basi per far evolvere le nostre tradizioni al di là del più consueto schema della musica leggera: i brani si dilatano, diventano anche vere e proprie suites, i testi si ricollegano alla poesia, la tecnica strumentistica diviene un mezzo espressivo indispensabile. Al Palladium, martedì scorso, si è compreso che gli anni di piombo del rock, come sono stati definiti gli oscuri Ottanta, sono finiti e che finalmente c’è spazio per la ripresa di un discorso interrotto soltanto accidentalmente. Il Banco del Mutuo Soccorso è tornato sul palco romano per inaugurare il nuovo tour “Da qui messere si domina la valle” che li vedrà impegnati per tutta l’estate nella Penisola, in occasione della recente pubblicazione dell’omonimo cd che ripercorre album celeberrimi come “B.M.S.” e “Darwin” rivisitati e ri registrati per l’occasione. Se a prima vista, sul vinile, sembra di imbattersi in un’operazione nostalgica, dal vivo questa impressione viene subito fugata, non solo dall'entusiasmo di fans giovanissimi, ma dall’energia che Gianni Nocenzi (tastiere), Francesco Di Giacomo (voce), Pierluigi Calderoni (batteria) e Rodolfo Maltese (chitarra), (al basso, per l’occasione, l’ottimo Tiziano Ricci) sono riusciti a sprigionare. Il concerto è partito con “R.I.P.”, e subito l’atmosfera si è scaldata. Man mano che scorrevano brani come “Il ragno”, “L’evoluzione della specie”, si poteva assaporare l’incredibile vitalità delle composizioni, ormai ventennali, che non hanno perso un briciolo di attualità, e anzi hanno guadagnato dalle nuove interpretazioni che possono far tesoro dell’esperienza di professionisti ai quali funzionano bene non solo le mani e la testa, ma soprattutto il cuore. Il gruppo ha reso omaggio al pubblico eleggendolo a vero protagonista della serata e del video che è stato girato appositamente per l’occasione. Grande sorpresa per la sentita versione di “Hey Joe”, di Jimi Hendrix, unica cover della serata in omaggio non solo ad un musicista ma ad un’intera epoca d’oro per il rock. La voce di Di Giacomo era a grandissimi livelli, non ha perso nulla della dolcezza e incisività che l’ha sempre contraddistinta. Anche la chitarra di Maltese, che a tratti si è alternato alla tromba, si è fatta sentire pulita e puntuale, di grande gusto, lì dove non ha mai esagerato con assoli di maniera. Calderoni si è dimostrato un vero e proprio motorino ritmico, con un drumming fantasioso, mentre ha impressionato letteralmente l’energia e il virtuosismo di Nocenzi, vero protagonista delle tastiere. Scrosciar d’applausi alle indimenticabili e suggestive “750.000 anni fa…l’amore”, “Il giardino del mago”, “Non mi rompete”. Poi il Banco ha ripercorso i successi più orecchiabili di “Moby Dick” e “Lontano da”, per poi riproporre una incredibile ‘“Metamorfosi”. Un finale degno di un grandioso concerto quello di “Non ci siamo” e la bellissima “Traccia II”. Subito dopo il concerto abbiamo incontrato il gruppo nei camerini, affollati da vecchi amici che si congratulavano con i musicisti:
“Spero che il rapporto di stasera non sia stato di nostalgia, ma di vitalità” mi chiede Gianni Nocenzi. Siamo d’accordo con lui in pieno. “Me ne sono accorto - riprende il tastierista - quando ho riascoltato il lavoro finito dopo due anni dalla registrazione. Gli anni di piombo per la musica sono stati gli Ottanta. Usciti dalle utopie, dalle ideologie, c’è stato un grande riflusso di creatività, di contenuti. Gli artisti, anche i migliori, hanno sopravvissuto professionalmente adeguandosi a delle versioni soul o soft-soul, canzoni, come Phil Collins, Peter Gabriel, il Banco, cercando di non ammainare mai la bandiera della creatività, come abbiamo fatto con ‘Moby Dick’. Poi il Banco non si è fermato mai con l’attività live e le richieste dei giovanissimi di 15 anni, che ci chiedevano ‘Il giardino del mago’, ‘Metamorfosi’, ‘Darwin’, ci ha fatto capire che stava cambiando il vento. Sì la produzione, sì i dischi di plastica, ma una grossa fetta di pubblico mostrava di preferire il sudore, la credibilità, il muscolo. Così è partita la nostra scommessa, per vedere se gli anni Settanta sono stati vera gloria, l’unica primavera in cui la musica italiana ha realmente dialogato con l’Inghilterra e l’America. Molti artisti stranieri, come lo stesso Gabriel, ci hanno confessato personalmente che ascoltavano in quegli anni i dischi del Banco, forse più di quanto noi facessimo con loro”.
-E poi c’è un gran seguito in Giappone…
“Sì, infatti dovremo fare un nuovo l.p. di materiale inedito con un editore giapponese, che poi verrà importato anche in Italia”.
A “Big” Di Giacomo abbiamo chiesto cosa ne pensasse anche lui di questo ritorno.
“Io mi auspico, al di là del ritorno, una conferma di tanti gruppi giovani, di ragazzi che dovrebbero trovare conferma della loro forza e creatività. Chi suona deve rappresentare solo se stesso, così si è credibili.”
-Come avete fatto voi?
“Sì, anche se questo non sempre paga. Arriva la moda e ti scavalca, l’importante è reggere la botta e andare avanti con convinzione”
-D’ora in poi che direzione si muoverà il Banco, sullo stile “Moby Dick”?
“No, il Banco manterrà alcune canzoni di prestigio, ma tornerà a fare composizioni di un certo tipo, musica strumentale, suites”.
Alessandro Staiti

Neil Young il giovane - Firenze 22 Giugno 2008 - Mandela Forum

2008-06-23T07:51:00.000+02:00

da Maurizio e Fulvia una bella recensione del concerto di Firenze.

Gran bel concerto che conferma l'estrema vitalita' del canadese nato nel 1945. Vena creativa intatta e moltissima voglia di suonare e cantare - che per lui sono la stessa cosa, perche' i suoi lunghissimi soli di chitarra sono estensioni e variazioni delle sue linee melodiche e ritmiche ... un altro modo di cantare insomma. Neil Young, che non avevo mai visto dal vivo, e' un musicista, un artista vero e a tutto tondo.

Sul palco erano in sei.

Per terra, tra i suoi monitor-spia e la sua pedaliera di effetti aveva due foto incorniciate come su un como'.

Accanto ai due coristi (di cui uno era la moglie Peggy Young) dietro alla prima linea dello stage, un pittore dipingeva in diretta quadri che intitolava a ciascun pezzo della set-list e che metteva ancora freschi su un cavalletto a destra del palco per annunciare il brano successivo. Una gran figata! Accanto al pittore troneggiava di profilo un mobile di antiquariato che non riuscivo a capire cosa fosse e che cosa stesse facendo li'. Solo quando Neil ci e' andato a sedere davanti per attaccare un pezzo intitolato Mother Earth, ho realizzato che era un organo a canne che dall'alto triangolava l'Hammond B3 ed il piano a coda dipinto con motivi a pastello floreali alle estremita' destra e sinistra del palco.

Naturalmente durante l'esecuzione di Old Man - il solo pezzo vecchio in scaletta insieme a The Needle and the Damage Done - sono scoppiato in sonori singulti ed evidenti lucciconi di felicita'. Non mi sareimai aspettato di riuscire ad ascoltare quei pezzi dalle labbra e dalla chitarra dell'autore nell'arco della mia merdosa vita (ndr - per Maurizio).

Siamo usciti dal Mandela Forum piu' appagati e, se possibile, piu'grassi di prima :)

Se non vi siete accattati gli ultimi album di Neil Young correte a comprarveli: E' MUSICA VERA!

Grazie a Maurizio e Fulvia

2008-06-18T10:37:00.000+02:00

UN BELLISSIMO RESOCONTO, DUE MERAVIGLIOSI CONCERTI, UNA STORIA NON DI TUTTI I GIORNI.....

Grazie Vittorio.....

............... sabato sera (14/6/2008 ndr)sono stato al Royal Festival Hall di Londra, e mi sono goduto i Massive Attack, con mia figlia, anche lei contenta alla fine. Una band di una decina di persone, un concerto preceduto da una campagna anti-Bush condivisibile, e fomentata dal fatto che il giorno dopo Bush era in visita a Londra. Io ero a fianco al palco, di lato ma in alto, quindi era come se fossi sul palco. L'acustica era pessima nel mio caso, ma la visuale era di prim'ordine. Del Naja presente costantemente alle sue macchine da DJ, il suo socioinvece che entrava e usciva dal palco come fosse un bar. Un bassista nero, basso, largo come un armadio, cattivo sulle corde come pochi. Due batterie crimsoniane, una bella chitarra, anche da queste cose si capisce che del naja ama fripp, una mega batteria di tastiere e due grandi vocalist, specie la nera, la biondina mi sembrava invece molto meno intrigante. Volume stranamente modesto, ma forse era dovuto alfatto che eravamo in un teatro piuttosto chic. I pezzi nuovi non li saprei giudicare, sentiti una volta mi hanno detto poco, ma è presumibile che, riscoltati con calma, riscuoteranno il loro successo. I brani storici, invece, hanno fatto ballare/sballare tutti. Sono da rivedere al più presto in veneto, per forza. La domenica sera invece sono stato costretto a scegliere tra i Gong, in un classico vecchio sporco puzzolente locale di periferia, e la YMO con Sakamoto nel teatro lussuoso a fianco al Royal Festival Hall. Ho scelto i Gong, mia figlia è rimasta in albergo, così ho preso la northen line (malfamata linea metropolitana, nota come la nera) e sono sceso in un popolare quartiere, di quelli molto vissuti. Devo dire che mi sono trovato benissimo, ho subito litigato con un bagarrino che voleva darmi 5 sterline per il mio secondo biglietto, alla fine, sfinito, me ne ha date 12, poi mi sono messo in coda in mezzo ad un aura di personaggi che non tutti voi potreste immaginare. Io ero sicuramente tra i più giovani. Insomma, a vedere i Gong c'eratutta gente che Aellen & Co. conoscono ormai da tempo, solo invecchiata dagli ultimi 40 anni. Bello il posto, birra a fiumi, gente tranquilla, non come da noi che se prendi un posto (in piedi) e poi fai tanto di muoverti per prendere una birra e dopo ritornarci, ti accoltellano. Io ero dietro al banco mix-luci, ed ho visto molto bene, sentito ancor meglio. Del concerto dico poche cose: la prima, un Theo Travis veramente di livello superiore, suona con una padronanza straordinaria. Magnifico David, con la babbiona che ormai fà quello che può. Stupefacente, a dir poco, il batterista di colore, non ricordo il nome ma ormai da anni è coi Gong. Sopra tutti, Howlettal basso. Credetemi, è uno dei più grandi bassisti esistenti, poi si concia come un pazzo (aveva una tunica da monatto, poi è entrata una marocchina incazzata, l'ha spogliato da terra, e lui è rimasto con la solita maglietta color argento e gli occhiali con le spirali). Nel mentre, ha ballato, saltato, ha fatto un casino dell'ostrega sempre suonando pazzescamente. Invece, Hillage e la Michetta mi sonosembrati fuori quadro. E' ovvio che quando Hillage parte con la chitarra, c'è ben poco da dire, ma è anche vero che l'ultimo tipo di musica dei Gong, secondo me, non gli si addice. Il repertorio è stato cmq molto all'insegna del passato, con un paio di pezzi nuovi molto rocchettari di Hillage. Voi tutti sapete che cultura hanno gli inglesi ai concerti. Noi siamo lontani anni luce. Anni luce. Ho messo 4 foto, ma di scarsa qualità. Ho usato la compatta di mia figlia, per un imperdonabile errore non avevo la mia Leica. Obsps. : un nanetto : sono fermo all'uscita del tube di Baker street e mi si avvicina un sessantenne dall'aria italiana; mi offre unbiglietto per quei bus scoperti che girano londra, e che sono molto utili se volete vedervi la città comodamente seduti. Mi parla subito in un ottimo italiano, ma gli chiedo lui di dov'è, lui mi dice ''sono di una piccola isola greca, che nessuno conosce''. Io, punto sul vivo per la mia passione Egea, gli dico, quale ? lui mi risponde : il nome è Castellorizo ; al che, gli rispondo : scusa, cerca di essere più preciso, Castellorizo è il nome veneziano, la tua isola si chiama in origine Megisti ! (avrete capito di che isola parlo). Insomma, dopo 10' di convulsa conversazione, voleva che alla fine del suo turno andassi a casa sua a bere un'ouzo fatto in casa e ad assaggiare della feta che gli era appena arrivata. Devo dire che ho goduto, quando, ringraziando ma andandomene, l'ho sentito dire alla sua collega inglese: cristo, questo è il primo con cui parlo in 3 annic he sà da dove vengo ! proprio vero, una fazza una razza.

Vittorio

TONI MALCO E LA SUA “SENSAZIONE SCOMODA”

2008-06-17T15:21:00.000+02:00

TONI MALCO E LA SUA “SENSAZIONE SCOMODA”
Il 10 giugno l’artista ha presentato il nuovo album al Teatro Greco di Roma

È tornato nel teatro del suo quartiere per presentare il nuovo album “Sensazione Scomoda” prodotto da Luigi Barion, presidente AFI. Martedì 10 giugno Toni Malco ha proposto alla affollatissima platea del Teatro Greco un piacevole mix di vecchi successi e nuovi brani, accompagnato da Stefano Zaccagnini (chitarra elettrica), Fabrizio Guarino (chitarra acustica), Adriano Lo Giudice (basso), Gianni Aquilino (tastiere), Piero Pierantozzi (batteria), Miguel Jimenez (tromba) e le vocalist Letizia Mongelli e Giada Olivetti. Presenti in sala anche Piero Calabrese, Mimmo Di Renzo, Sandro Di Loreto e Emanuela Tomasini, autori dei testi del nuovo album. Due ore di splendide canzoni, interpretate con il trasporto e la professionalità che da sempre distinguono lo stile di Malco. Uno stile che spazia dal rock melodico al pop tradizionale, quello dei grandi che in Italia hanno ricoperto un ruolo di indiscusso e intramontabile rilievo. Apre lo show l’inedita “Una storia che non vola”, sottolineata da cristallini arpeggi di chitarra, seguita dalle belle “La stagione dei perché” e “Non finisce mai”, mentre sullo sfondo scorrono le immagini dei video che accompagnano tutto il concerto. Splendida la cover di “Mio fratello è figlio unico”, indimenticato successo di Rino Gaetano, caro amico con cui Toni ha condiviso l’inizio della carriera e perfezionato il suo stile compositivo. Ancora dal nuovo album la romantica “Fuori piove”, poi la sorpresa di “C’era un ragazzo che come me amava i Beatles e i Rolling Stones”. “Ehi”, segnata da un liquido assolo di Zaccagnini, precede l’altra cover contenuta in Sensazione Scomoda, “I giardini di marzo” di Lucio Battisti, in un’elegante versione jazz/lounge che Toni interpreta con innato feeling. Stesso sentimento che sprigiona la toccante “Sotto il cielo di Roma”, cantata come sul cd (ove è presente anche la traccia video del brano) assieme alla bella e brava Antonella Ippoliti, ospite d’eccezione della serata. Il concerto continua con la rockeggiante e inedita “Demoni e dei” (ancora un bel solo di Zaccagnini), “E poi si resta soli”, “Lo zodiaco”, “Dentro”. Ancora una cover, questa volta la bellissima “Insieme a te non ci sto più” di Paolo Conte. Chiudono lo show la canzone che dà il titolo all’album, “Sensazione scomoda”, e la dolcissima “Mentre addormento Giulia”, impreziosite dai testi di Di Loreto.

Alessandro Staiti